En diálogo (una vez más) con el
artista Ernesto Pesce, ahondamos en su mirada crítica sobre las
representaciones contemporáneas, los concursos, las bienales y los procesos de
legitimación actuales.

La docencia y la crítica desde la
mirada de artista

Para mí, como artista, a veces el
producto final no es lo más importante sino todo el placer que me produce
trabajar, la reflexión que hago con el trabajo, si además, me sale una buena
obra mejor. Esa persona no conoce la intimidad, eso a veces crea juicios muy
terminantes, a favor o en contra, no importa. A veces, lo asocio con el fútbol,
casi todos los directores técnicos han sido jugadores. Yo también, si me gusta
el fútbol, sentado en mi casa, tomando una cerveza y picando una longaniza
puedo decirle al tipo que está jugando en la televisión: “¿Qué hacés? Corre
para acá… qué pata dura”, y yo no soy capaz de pegarle a una pelota, pero puedo
desarrollarte una teoría que puede ser cierta. Pero el tipo que está corriendo
en la cancha, que es un atleta, de repente hay un monticulito en la tierra que
hace que la pelota vaya para otro lado, quiere hacer un giro y le duele la
cadera y le da un tirón y todo eso, para el tipo que teoriza, no existe. Si vos
lo sabés, si sabés que existe eso, si vos podés comprender esa experiencia lo
podés entender mucho mejor y podés transmitir mucho mejor. Puedo ser un poco determinante,
pero yo no creo que alguien pueda
enseñar bien lo que no hace.

Lo mismo tiene que ver con el
profesor, si el crítico no se mete en lo mismo que estamos hablando ahora, si
no se mete a opinar sobre lo que no hace, el crítico puede hacer un aporte muy
grande. Conozco gente que viene de la teoría y saben muchísimo más de lo que yo
puedo llegar a saber en mi vida y la mirada de esas personas me puede llegar a
aportar un montón de cosas, siempre y cuando no me venga a decir lo que tengo
que hacer técnicamente si no lo hace. Que el aporte viene y es muy importante,
y la opinión también es muy importante, pero depende de cómo se emite. Siempre
pongo como ejemplo el texto de Foucault sobre las meninas. El tipo se para y
hace una lectura que es maravillosa del punto de vista de lo que ve el tipo.
Ahora Foucault no dice “mirá, acá pintó el perrito medio mal” “si hubiese usado
esta pared y no la otra” entonces, desde ese lugar, creo que hasta si lo
escucha Velázquez, se quedaría maravillado.

Sobre el arte contemporáneo y su
legitimación

El arte contemporáneo tiene mucho
de teoría, de concepto y demás, no estoy negando eso y, es más, si yo hubiese
hecho la enseñanza formal, para mí hubiese sido mejor, pero lo que creo es que
no se puede enseñar algo práctico a partir de la teoría. Yo también podría ser
cirujano leyendo todos los libros de cirugía sin agarrar un bisturí y le
empiezo a decir “cortá acá”, “cortá allá”, “no es así”.

Con el arte pasa eso, si pidieran
cirujanos nadie iría al Hospital Italiano habiendo leído cinco revistas de
cirugía. Sin embargo, si lo llaman para algo artístico, va. Parece que, en el
arte, de antemano, uno nace sabiendo y teniendo capacidad de enseñar y teniendo
capacidad de opinar.

Ahora, también depende, el arte
contemporáneo es muy básico, definir qué es arte es muy difícil, para alguien.
Arte puede ser la idea nada más, el concepto. Lo que estamos haciendo nosotros,
hablando, para algunos puede ser una performance. Entonces no hace falta que
vos sepas dibujar, pero hace falta que los dos sepamos, es antropología. Pero
algo hay que saber, si vos querés trabajar con el color, con la textura o con
la forma, representar la realidad hay métodos para aprender eso y hay que
saberlos. Ahora, si yo voy a ser un artista conceptual y voy a hacer frases
escritas en la pared, yo no necesito aprender a dibujar, pero necesito saber
otras cosas y, en cuanto uno más sabe, puede hacer un mejor trabajo. Además, está
esa idea que también hay gente tocada con la varita mágica, existe alguno, pero
dejás al 99,9% de la humanidad sin que pueda ser artista. Si vos crees que hay
un iluminado ¿Qué hace el resto? Juega Messi y después no juega más nadie al
fútbol.

Otro criterio es cómo cada uno
entiende el arte. Para mí el arte es algo muy abarcador, mucho más abarcador
que la obra terminada. Forma parte de la vida de uno, forma parte del placer,
de la emoción, del deseo. Todo eso, a veces, hace que se pierda de vista el
análisis de lo que hacés vos. Un análisis muy centrado hace que todo eso quede
de lado y para un artista es fundamental. Rescato eso y rescato la
singularidad, somos todos diferentes, inteligencia más, inteligencia menos. En
esa diferencia me parece que hay un potencial. Frente a un mismo hecho contamos
de manera diferente, percibimos de manera diferente. Si yo me expreso desde ahí,
lo mío va a tener una potencia y una fuerza de transmisión, distinto a que si
yo monto o copio el imaginario de otro.

Ya que hago toda esa serie
erótica, no te imaginás, y ¡mirá que lo que yo hago no es escatológico! Muestra
desde un realismo lo que pueden ser masturbaciones o relaciones sexuales, lo
que sea. Pero está pensado desde el diseño, como el grabado japonés que son
absolutamente explícitos, pero son tan bellos que, en todo caso, lo que puede
llegar a molestar pasa a un segundo plano. Sin embargo, no es así. Tengo
experiencia de gente que dice, no, yo no puedo colgar esto en mi casa y estás
hablando de una figura femenina sentada en un banquito, y vos decís ¿cómo puede
ser? Bueno, es. Son gente grande, gente instruida, pero el sexo sigue siendo un
problemón, una cosa muy reprimida.

Lo que tiene que ver con el arte
no puede generar problemas tan serios, se ve en los concursos también, este es
el premio más importante o el lugar más importante para exponer, y te das
cuenta que uno compró una tela de dos por dos y pinta hace una semana y va ahí
con ese trabajo y no se va a presentar como ingeniero atómico, sin embargo, se
va a presentar como un gran artista… y, sin embargo, no pasa nada.