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Categoría: arte

  • ENTREVISTA. Ricardo Brecher, la creatividad al servicio del trazo y el color

    Ricardo Brecher
    Por Zenaida Sanoja
    Ricardo Brecher es un artista visual, muralista y fotógrafo, nacido en Buenos Aires, Argentina. Su creatividad le ha permitido explorar formas, técnicas y el uso de los colores, hasta encontrar un estilo muy propio que se comunica con el espectador a través de sus trazos indefinidos, redescubriéndose en la obra constantemente.
    Con su sensibilidad a flor de piel, le da forma a sus trabajos de manera espontánea, son obras que surgen en el momento sin tener claro cómo se desenvolverán.
    Brecher reside en la Ciudad de Buenos Aires, en donde abrió su estudio, en el que además de exhibir su obra de forma constante, le ha permitido investigar nuevas técnicas, crear sus propios marcos, y compartir su arte con espectadores y amantes de su trabajo.
    Disfruten de esta especial entrevista con Ricardo Brecher para Expertos en Arte FD Magazine.
    San
    Francisco. Tinta y Acuarela 

    EeA: ¿Cómo te acercaste al arte por primera vez?

    RB: Arranqué a los ocho años aproximadamente, vivía en Frankfurt, Alemania desde los cuatro años, y los domingos mientras que todos dormían, yo me levantaba muy temprano en la mañana, tomaba uno de los tantos libros de arte que había en mi casa y empezaba a observarlos detenidamente para después elegir uno y comenzar a copiar. En ese momento me llamaba mucho la atención Miró y Picasso.
    Mi viejo era arquitecto y le gustaba dibujar y decía que la mejor manera de aprender era copiando, así que seguí sus consejos y ese fue mi comienzo.
    En la escuela teníamos artes plásticas y yo me aburría mucho porque teníamos que dibujar una manzana con sombras o algún otro elemento, me aburría y me desconcentraba, así que dibujaba cosas que tenía ganas, mayormente abstracto y algunas cosas figurativas.
    Mural
    en el Teatro el Cubo. 32m2. Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina

    EeA: ¿Acompaña a tus obras algún proceso reflexivo, de investigación o se presenta de manera espontánea?

    RB: En general si no es por algún pedido específico de algún cliente o algún diseño, mis hojas y mi mente siempre están en blanco. Disfruto mucho comenzando una obra sin saber exactamente qué voy a terminar haciendo ni qué colores voy a estar usando.
    Mi creatividad se va desarrollando con cada pincelada o con cada línea y se va reflejando en el papel, en el lienzo, en una pared o en algún objeto que elijo.
    Cuando dibujo ciudades o desarrollo algún diseño específico para alguna empresa o institución, algún evento conmemorativo o para una asociación como Dale Vida, ahí obviamente tengo definido la idea que quiero desarrollar y proyectar en la obra.
    Oneline. 80 x200. Tinta y acuarela 

    EeA: ¿Cómo asumes el enfoque contemporáneo que le das a tus obras?


    RB: Yo creo que trato de ser auténtico y aplicar todo lo que fui aprendiendo. Tener un estilo propio y diferente. Expresar en el momento y el lugar, lo que siento.
    Pienso que eso es lo más contemporáneo de mí arte. Por momentos es abstracto, figurativo, moderno, tengo diferentes estilos y maneras de expresarme. Uso múltiples elementos y elijo aplicarlos sobre papel y otros objetos diversos, puede ser una pared, una heladera, un termotanque, a veces una pava eléctrica, una taza, sillas.
    Desde niño hago dibujos de una línea y los fui desarrollando. Esos siempre aparecen.
    Trato de no ponerle límites a mi imaginación y simplemente me expreso.
    Fuerza Mayor. Obra elegida por Bodegas Navarro Correas para la Colección Privada 

    EeA: ¿Tienen los trazos dinámicos y la explosión de colores alguna definición para ti?

    RB: Principalmente, la libertad con la que voy desarrollando mis obras.
    Comencé haciendo dibujos en blanco y negro, y con el tiempo me fui animando usar cada vez más colores, ir mezclando y variando.
    Lo mismo con los estilos, formas y todo lo que se me iba ocurriendo.
    Me considero creativo en todos los ámbitos y al ser autodidacta en lo que se refiere al arte, me obligué siempre a investigar probando mucho. Eso es lo que me dio la posibilidad de variar y crear estilos diversos. Disfruto del arte divirtiéndome.

    Richardo Brecher. Proceso de creación de Mural 

    EeA: ¿De qué manera se comunican tus obras con el espectador?

    RB: La comunicación mayormente es a través del color y de las formas. Si pasas por mi estudio, por la ventana, es muy posible que tu ojo se vaya directamente a la pared en la cual hay un cuadro con muchos colores y a través de esa mirada terminas viendo todos los otros cuadros y obras. La primera expresión de los niños y grandes es una sonrisa, alegría, ese es uno de los efectos. Me encanta que las personas que posean una obra mía, tengan en una parte de su lugar un cuadro o un objeto que les alegre el espacio y no se aburran de tenerlo y verlo, descubrir siempre algo en la obra.
    Ilustración para la Asociación Civil Dale Vida. 10 x 40 cm

    EeA: ¿Qué significado tiene para ti, tu especial vínculo con la Asociación Civil Dale Vida?

    RB: Dale Vida está formado por personas comunes que simplemente decidieron dedicar gran parte de su vida a salvar y ayudar a las personas que necesitan una donación de sangre. Cuando en el año 2014 me enteré que Dale Vida hacía una subasta que se llamó La Noche de Rojo, en la cual artistas podían donar sus obras para dar una mano a la Asociación, me puse feliz de poder contactarlos y tener la oportunidad de poder participar donando una obra mía. A partir de ese momento, decidí darles una mano en lo que pudiese con mi arte. Tuve la suerte y el honor de ser convocado por ellos, para seguir participando en la creación de un folleto que ellos distribuyen para enseñar y comunicar para que todos nos incentivemos a donar sangre, perdamos el miedo y nos demos cuenta de lo importante que es poder hacerlo y sobre todo, de la gran ayuda que es para los que la necesitan.
    Admiro mucho el amor y la energía con la que trabajan diariamente en esto, seguramente muchas veces es con entusiasmo y felicidad por los resultados que logran y a veces frustrante y difícil, es por eso que siempre voy a estar ahí para apoyarlos en lo que pueda.

    Estudio de Arte de RB en Belgrano, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina. 

    EeA: ¿En qué proyectos trabajas en la actualidad?

    RB: Me mudé a Buenos Aires hace casi dos años, ya que los últimos doce había vivido en el sur de Santa Fe y tenía mi estudio allí.
    Hace 2 meses inauguré mi propio estudio en el barrio de Belgrano, CABA en nuestra casa familiar y en la cual mi viejo en los 90 comenzó su Agencia de Publicidad.
    Trabajo en el estudio diariamente en obras que voy creando con diferentes proyectos para diferentes clientes particulares, empresas y también asociaciones como Dale Vida.
    Ivo + IVA en Villa 31. 200 x 80 cm.
    Aprendiendo día a día técnicas nuevas, haciendo mis propios marcos y elementos que necesito para completar la obra final para los clientes.
    Viví la mitad de mi vida en Alemania, estuve un año viviendo y recibiéndome en Estados Unidos como administrador hotelero. Trabajé muchos años en diversas empresas internacionales y hace 15 años decidí dedicarme exclusivamente al arte y la fotografía.
    Murales en el Hotel Hilton de Puerto Madero. 12 m2. Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina
    Trato de innovar y encontrar siempre algo nuevo para hacer, usando diferentes objetos, paletas de colores y elementos para no aburrirme, pero principalmente me gusta arriesgarme un poco y descubrir siempre alguna cosa nueva.
    Mi meta es seguir creando con diversión y disfrutando haciendo objetos y obras que sean felices para todos nosotros.
    Dibujos en acuarela y tintas.

    Más de la obra de Ricardo Brecher
    https://www.instagram.com/ricardobrecher.art/
    +543462592616
    ricardobrecher9@gmail.com

  • ENTREVISTA. Sara Rosales: «El arte es sanador para el espíritu del receptor y del intérprete; ambos intercambian mundos paralelos»

    Sara Rosales en su taller – Ph: Fabián Cabrera


    Mendoza tiene mucha cultura de la que hablar. Hace muy poco, estuvimos conversando con una mujer moderna y empoderada como lo es Magui del Castillo, gerente general en Finca Buenaventura. No muy lejos de allí, en Guaymallén, conocimos a otra mujer de la que podríamos hablar en muchísimas páginas porque tiene una trayectoria enorme como artista local, y al margen de ello, es una persona muy querida en su ciudad. Estamos hablando de la Maestra Sara Rosales, con toda una vida ligada al arte desde diferentes sectores: aficionada al arte, gestora cultural, directora, artista, hija de artistas, y muchos etcéteras siguientes.
    ¿Qué se le puede preguntar a una persona de su tamaño -hablando en kilómetros de trayectoria- que no le hayan preguntado antes? El resultado fue hermoso. Encontramos a una mujer muy profunda, con los sentimientos a flor de piel y el corazón totalmente abierto a la comunicación y a la mirada del público.
    Sus obras pueden enmarcarse dentro de un realismo mágico, surrealismo o figuración. Pero encasillarla, no tiene nada que ver con su personalidad.
    Entre anécdotas, risas y más recuerdos, charlamos con Sara, largo y tendido.
    EEAM: ¿Cómo fue «ser un artista» durante esta pandemia?
    SR: Más que «artista» me considero una trabajadora de la cultura. Es responsabilidad; poner más pasión. Un compromiso interno de seguir. Todas las disciplinas del arte están muy golpeadas, y muchos la están pasando muy mal. Es un tema que me entristece; para algunos es el único recurso. Se debe prever subsidiar a aquellos que -especialmente- tienen familias. El arte es sanador para el espíritu del receptor y del intérprete; ambos intercambian mundos paralelos.

    EEAM: En una de las entrevistas que te hicieron, contaste que para vos la pintura siempre fue un hobby. ¿En qué momento te diste cuenta que estabas ejerciendo la pintura de un modo más profesional? ¿Fue una decisión o algo que se dio circunstancialmente?
    SR: No recuerdo haber utilizado la palabra “hobby”. Quizás se tomó fuera de contexto. Sí he contado que mi madre era diseñadora de ropa, y desde muy pequeña dibujaba y jugaba con tizas de sastre y hacía collages con trocitos de tela de diferentes colores y texturas. Con mis padres concurríamos mucho a ver ballets y obras de teatro, y de allí, mi predisposición por inclinarme a una carrera artística.
    Empecé primero en un taller de escultura. Modelar es apasionante. Luego me definí por el dibujo y la pintura.
    La gente es generosa: te nombra “maestra” y yo no me siento así; no pierdo mi capacidad de aprender todos los días y mi asombro de ver obras de pintores jóvenes.
    Fui muy feliz en año 1970. Mi primera muestra individual, y que la crítica especializada me tratara tan bien, sumado al estímulo de ubicar algunas obras. Estaba tan sorprendida que no sabía qué valor les podía poner; tuve que pedir ayuda. Fue una bella experiencia. Desde ese momento, expuse en forma ininterrumpida a nivel local, nacional e internacional.
    EEAM: ¿Qué considerás, entonces, que la gente valora más en tus obras? ¿Que creés que las hace especiales?
    SR: ¡Uy, qué pregunta! El arte tiene un lenguaje propio conectado al subconsciente. Cuando empiezo una obra siempre hay un preconcepto…pero luego desaparece. Siempre lo digo y reitero, que es un acto de amor, es un juego de caricias con la materia, el pincel sobre el soporte, y la demanda silenciosa de trazos sobre trazos, líneas sobre líneas, cubrir, raspar, velar, descubrir una forma, insistir en sus volúmenes o depresiones. Surgen rostros más definidos y la aparición dominante de la figura. Son imágenes que salen solas y a las que trato de darles forma. Y todo ese clima a su alrededor es como si fuera la existencia misma.
    La pintura tiene una función para nosotros en su taller, pero cuando salen de allí, dice muchísimas cosas al que está enfrente. Quizás ya no aparece nada mío. Un mensaje diferente pero con puntos en común, emociones, sentimientos. El que ve un rostro una mirada recordará algo propio, pero en el fondo nos unimos a través de esa emoción.
    EEAM: ¿Sentiste alguna vez, un apego especial por alguna obra en particular?
    SR: Por todas siento un apego especial. Lo noto más cuando parten del país o de la provincia. Me pregunto si la cuidarán, su destino… me tranquilizo en parte, cuando envían fotos con la obra bien ubicada; a nivel local,  tengo la oportunidad de reencontrarme a veces con ellas, y me surge una caricia…
    EEAM: En varias de tus obras, se observa una influencia de Klimt ¿es una forma de homenaje?
    SR: Al trabajar en técnicas mixtas, óleo, texturas, collage, dorado y plateado a la hoja, puede haber similitud al utilizar el dorado y plateado, pero en el tratamiento de la línea, la forma y claro oscuro, es muy diferente. Ojalá me pareciera a Klimt y a Rembrandt por el tratado de luces y sombras. Por la tecnología y sin querer, recibimos información óptica que vamos incorporando; todo ya fue hecho y creado. En el siglo XXI, lo único que no queda es recrear y conjugar nuestras propias técnicas para lograr nuestro propio sello y ADN.
     
    EEAM: ¿Cuáles fueron tus mejores y peores experiencias en el arte?
    SR: Una mala experiencia que recuerdo siempre: la disciplina del ARTE que yo ejerzo es la pintura; para exponer en el Exterior, es todo un tema: seguros, embalajes apropiados y permiso del libre tránsito de la obra. Nunca tuve problemas en absoluto, hasta que siempre hay una primera vez. La obra venía de Brasil-Curitiva; demoraba la entrega, y -para no hacerla más larga – arribaron los bultos dos meses después de lo previsto, con seis obras menos, dos vendidas y cuatro destruidas; la tela había explotado, y el embalaje era otro improvisado, esa experiencia me desanimó de volver a sacar obra del país.

    EEAM: ¿Por qué las personas coleccionamos obras de arte?

    SR: Es una pregunta muy amplia, donde también incide el perfil del coleccionista capitalista. Existen personas que adquieren obras para tener en su casa una pequeña pinacoteca de artistas que valora, le gusta su temática o le atrae el equilibrio del color en abstractas o gestuales, a los que respeta por su ética artística; y los coleccionistas del arte contemporáneo (arte efímero) que tratan de sobrevaluar en dólares algo que tienen que explicar por interminables minutos. Para justificar el ejemplo último de la obra: una banana sujetada en la pared con cinta de embalar. Indudablemente eso me subleva, porque subestiman el grado de inteligencia de los asistentes.
    EEAM: Cambiando a un tema más filosófico, por así decirlo…¿Cualquiera puede pintar? ¿Por qué?
    SR: Todos nacemos dibujantes; el naif más auténtico y genuino es un niño: no tienen prejuicios en la forma de dibujar y pintar. Es ARTE EN LIBERTAD PURA, como bailar, cantar, hacer percusión con cualquier tarro y palito. A veces no se los estimula lo necesario para profundizar esa acción. El Arte no es tener la inspiración; decir eso es una banalidad. El arte son horas y horas de trabajo, de insistir, quitarles horas al descanso para lograr tu propósito.
    EEAM: Y entonces…¿Qué es el arte? ¿Y la cultura?
    SR: El ARTE es una forma de enseñar a mirar, sentir y vivir diferente. Si cualquier tipo de arte, o pero aún, todas las áreas artísticas se dejan de lado, pasa exactamente lo que nos está pasando: niños solitarios, sin vida interior, violentos o depresivos, todos en una sociedad en que el triunfo solo existe en lo material. Cuando se comprenda que el MIRAR diferente les abrirá puertas y sensaciones nuevas…cuando no sólo seamos capaces de ver un árbol, sino el espacio que este dejaría si no estuviera…
    Definitivamente en la actividad artística, literaria, música, teatro, danza, artes visuales, nos moviliza y emociona más de lo que vemos en la superficie, lo que descubrimos a través del subconsciente.
    La CULTURA, es todo aquello por lo que se identifican los pueblos, costumbres, dichos, leyendas, normas, tradiciones y variadas manifestaciones artísticas.

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  • ENTREVISTA. Verónica Martínez Castro, el arte y la interpelación de la conciencia.

    Por Nahomi Martínez

    ​No es secreto que el collage me parece una de las técnicas más interesantes del arte visual, los elementos que componen una obra de estas características por lo general están impregnados de significados, los artistas gritan sus ideas con propiedad a través de las distintas formas y ¿Cómo se puede transmitir una idea clara y abstracta de una manera tan directa e intuitiva para el espectador?

    Me atrae todo lo que implica la resignificación de un elemento que nació con otro fin y en otro contexto, la idea desde cero que se compone en la simbología de la idea de alguien más, el lenguaje, la el concepto,  las texturas, los colores, el espacio, el silencio, la palabra, la imagen, el diseño, todo confabulado para nutrir al arte visual.

    Esta semana tuve la linda oportunidad de conversar con Verónica Martínez Castro, artista visual, fundadora de Pulso, apasionada, creativa y completamente consciente del poder de lo que hace. Su búsqueda y su recorrido de hecho, profundiza en el hacer colectivo, se nutre de las experiencias humanas y revaloriza el hoy y el ahora. Sus palabras me permitieron ver el lado experimental del collage y me hicieron entender la perspectiva reflexiva del proceso de crearlo.

    La artista además, nos contó sobre una especial vinculación con la ONG «Nuestras Huellas», y un sorteo solidario que tiene su cierre el 28 de febrero y en el que la unión de estas dos fuerzas, busca visibilizar el trabajo de esta organización que promueve el desarrollo integral de las personas en sus comunidades mediante programas de finanzas solidarias, fomentando acciones participativas, autogestivas y éticamente responsables. Disfruten de esta entrevista para Expertos en Arte FD Magazine.

    EeA: ¿Cuál es tu primer recuerdo relacionado con el arte?

    VMC: Autodidacta, evolucioné impulsada por mi espíritu itinerante y el afán de transmitir la dicha, la opulencia, la aflicción, el olvido, la indiferencia, la magia, el misterio, el deseo, entre tantos otros sentimientos que desvelan al ser humano.

    Mi obra nació del entusiasmo por fotografiar la vida, sus lugares y el ansia de trascender a las imágenes, interviniendo las con diversos materiales, texturas y paletas de colores.

    El soporte gráfico de mi obra yace en el gesto intuitivo, de la relación amorosa entre la fotografía y el retrato que se apoya a la vez, sobre el cimiento de mis propias palabras.

    EeA: Hay un marcado y claro concepto que transmitís con tu proyecto y con tu obra, qué tiene foco en la búsqueda y la conexión personal ¿Cómo comenzaste a reflexionar y saber que este sería el camino que tomaría la conceptualización de tu trabajo artístico?

    VMC: Nos contamos historias para poder vivir. Hay miles de maneras de contar una historia, con palabras, con imágenes, a través de la música. Yo las cuento con palabras y con collages.

    Soy una artista apasionada: pasión por aprender, desaprender, innovar, compartir, equivocarme, corregir y volver a empezar.

    Prefiero la cooperación por sobre la competencia. Y por sobre todas las cosas creo en el futuro colaborativo fundado en el «comprender, colaborar, cooperar y co-crear».

    Todas mis obras nacen de observar que, en la era de la conectividad, estamos desconectados de nosotros mismos. Desconocemos nuestro propio pulso, lo que nos hace latir, lo que vibra con y en nosotros. Por eso PULSO es un proyecto colaborativo y solidario.

           

    EeA; ¿Qué fue eso que te llevó a descubrir que tu pasión por el arte estaba relacionada con el collage?

    VMC: Me encanta mezclar lo lúdico con lo artístico. Muchas veces, las palabras no alcanzan para expresar lo que sentimos o pensamos. Entonces, precisamos imágenes.

    A través de la meditación activa que se realiza recortando imágenes que nos conecten con nuestra vida y los acontecimientos que ocurren en ella, los posicionamos sobre una hoja en blanco, como si dibujáramos con ellas. Finalmente, al fijarlas con pegamento, en ese gesto, conectamos con nuestra propia esencia, recordamos quiénes somos en el reflejo de las imágenes.

    Las actividades que elegimos hacer, los libros que elegimos leer, las personas con las que elegimos conversar, son espejos que nos reflejan nuestro propia ser, nuestra búsqueda.

    Al encontrarnos, encontramos al otro. Y en el otro, somos uno.

                                        

    EeA: Contanos un poco sobre cómo es tu proceso creativo.

    VMC: La propuesta de PULSO es lograr que los asistentes puedan decir, a través del arte, lo que con palabras no pueden expresar. En cada encuentro, quienes asisten son invitados a reflexionar sobre aquello que los hace vibrar y los conecta consigo mismos. Al encontrar el pulso que vibra con y en cada uno, los asistentes también se conectan con el pulso de vida de los otros participantes.

    En el proceso utilizamos la técnica del collages: imágenes, papeles de colores, tijeras, pegamento y, en un ambiente lúdico, se promueve la creación de retratos con voz propia. Se propone la ejecución de las tareas en espacios luminosos, con música suave, ropa cómoda, posibilidad de compartir materiales con los otros y ritmo sostenido del proceso creativo.

    Cada taller se divide en tres etapas. Una de introspección y meditación activa. Otra de reconocimiento de esa búsqueda interior en imágenes impresas en papel, para activar la creatividad, utilizando la técnica de collage y, mediante el corte, el armado y el pegado del material elegido se llega a la obra de arte. La última, es la devolución oral de cada participante a quien se invita a contar su experiencia en el proceso, sus sensaciones, su conexión, su aprendizaje sobre su propio pulso y el pulso que vivió en el grupo junto a los demás.

    EeA: ¿Cómo percibís que el mercado del arte contemporáneo argentino contempla y apoya a los artistas visuales que desarrollan su obra con esta técnica específicamente?

    VMC: Hay muchas miradas sobre el arte contemporáneo. A mí me gusta la mirada de la libertad gestada en el respeto. La expresión artística es maravillosamente sanadora. En particular, la técnica de collage es fácil, sustentable, sostenible y sirve como disparador para múltiples creaciones.

    Considero imprescindible la implementación de políticas públicas orientadas a la promoción de las industrias culturales y al fortalecimiento del vínculo con los emprendimientos del sector que necesitan insertarse y competir a nivel local e internacional.

                                 

    EeA: ¿Qué recomendarías a las personas que se ven atraídas a esta técnica del arte visual para que se atrevan y comiencen a adquirir e invertir en estas obras de arte?

    VMC: Eso mismo: que se atrevan. Cada gesto es regenerador, reparador, inspirador. Hay una magia que generan las imágenes y es la interpelación a la conciencia propia y colectiva. Una imagen nos traslada a un momento y éste a un sentimiento, a un registro en nuestra memoria y en nuestro corazón.

    EeA: ¿Cuál considerás es el desafío más grande del collage?

    VMC: El primer gesto: cortar una imagen. Detrás de ese gesto hubo una conexión, una memoria, una historia sin contar. A partir de ahí, todo fluye, flota, se transforma y aparece la obra en formas inesperadas.

    EeA: ¿Qué recomendarías a los artistas a los jóvenes que se encuentran en este momento explorando en el mundo del collage?

    VMC: Todos somos artistas. Sólo que olvidamos que fuimos niños alguna vez y, que jugamos, que imaginamos, que soñamos. Somos obras de arte. Somos historias con latido y pulso. El mundo merece conocerlas. Sin distinción de género, ideologías, procedencia o edad, el collage es un mundo y el mundo es un collage. Sólo tenemos que detenernos y observar.

                             

    EeA: Coméntanos un poco sobre esta vinculación que realizaron con la organización Nuestras huellas, que lleva a cabo programas de finanzas solidarias y autogestivas en distintas comunidades, ¿De qué se trata?

    VMC: ¿Cuándo nos enamoramos de algo o de alguien? no tenemos un momento exacto de qué día o en qué momento ocurre? No es por las cosas que hacemos, o por la cantidad de veces que lo hacemos: es por la coherencia entre lo que decimos y lo que hacemos. Y cuando nos encontramos con círculos humanos que hacen lo que predican, entonces, sentimos esa consistencia, esa coherencia y nos enamoramos: de una persona, de una causa, de un grupo.

    Así me enamoré de “Nuestras Huellas”. Y cuando uno se enamora, regala el amor porque el amor es para DARLO. Y se multiplica, ¿verdad?

    “Nuestras Huellas” acompaña a mujeres en su formación para liderar, desarrollando las habilidades necesarias para hacer un camino, encontrar un propósito, darle latido, pulso y vida a un proyecto. En su visión, “Nuestras Huellas” comparte los valores de PULSO: la pertenencia, el vínculo compartido, el descubrimiento del propio «yo» y a través de éste, el reflejo del otro, en nosotros.

    Somos verdaderamente «UNA». Todas y cada una tenemos un poder. Sólo hace falta encontrarnos en ronda para recordarnos, unas a otras, que ese poder de hacer, crear, dar vida, estimular, compartir y crecer, está en nosotras.

    EeA: ¿Cuáles son tus planes para este 2021?

    VMC: Dedicarle mayor tiempo de acción a las acciones que ayuden a fortalecer la participación, la paz, la diversidad, la colaboración y la solidaridad.

    Confío que los espacios dedicados a la exploración del ser humano como individuo y como unidad colectiva, sean incorporados un círculo de prioridad.

    La mayoría de nosotros hemos quemado muchísima energía tratando de adaptarnos a esta realidad tan frágil, quebradiza, incierta. Necesitamos, por lo tanto, renovar nuestra energía, nuestras emociones, nuestra creatividad para mejorar nuestro enfoque, nuestros impulsos y nuestras decisiones: qué mejor forma que orientarnos hacia dispositivos artísticos para reconectarnos con el optimismo, la esperanza y la felicidad.

    Instagram: @veromartinezcastro 
    Más info: https://linktr.ee/veromartinezcastro 
    Nuestras Huellas ONG

  • PREMIO. Fundación Itaú invita a participar de la 12° edición del Premio Itaú de Artes Visuales

    Fundación Itaú invita a participar de la 12° edición del Premio Itaú de Artes Visuales

    Fundación Itaú comunica que se encuentra abierta la convocatoria para el Premio Itaú de Artes Visuales en su 12ª. edición. La convocatoria estará vigente hasta el 15 de marzo de 2021. 

    La inscripción se realiza en el sitio www.premioitau.org

    Este certamen, que lleva más de una década, da visibilidad y reconocimiento a las expresiones más recientes del arte contemporáneo del país, incluyendo múltiples disciplinas y perfiles estéticos. La trayectoria del Premio se destaca por su voluntad federal y su apoyo a la producción emergente. Asimismo, este certamen tiene un proceso que busca asegurar una mayor transparencia en la selección de obras, a la vez que brinda a todos los artistas una evaluación personalizada del jurado. 

                                       

    Este año el Premio contará con la coordinación y curaduría de María Menegazzo y Magdalena Mosquera.

    “Nos alegra presentar una nueva edición del Premio Itaú, un espacio para estimular la producción artística emergente de Argentina y dar visibilidad a sus nuevas creaciones. Confiamos en seguir siendo la convocatoria artística de referencia organizada por el sector privado” afirmó José Pagés, presidente de fundación Itaú.

    Premios
    Se entregarán los siguientes premios adquisición:

    -1er. Premio: $ 250.000.-

    -2do. Premio: $ 200.000.-

    -3er. Premio: $ 150.000.-

    Categoría especial: Arte en redes sociales

    Las últimas cinco ediciones del Premio Itaú han apostado a los posibles cruces entre arte y tecnología, sumando categorías especiales para estimular la producción, experimentación e innovación, y la reflexión sobre la condición técnica del mundo. Algunas de estas categorías fueron realidad virtual, videojuegos, realidad aumentada y arte robótico. La categoría especial para esta edición será Arte en redes sociales, y estará dotada de un premio dinerario no adquisición de $ 65.000.-

    Para conocer el catálogo de la última edición ingresar en: www.fundacionitau.org.ar/todas-las-ediciones-de-premio-itau-cultural-artes-visuales-para-descargar/

    https://www.premioitau.org/

    Acerca de Fundación Itaú Argentina

    Su misión es contribuir a la transformación educativa, social, cultural, y de la formación emprendedora de nuestro país. Para ello, desarrolla acciones para mejorar la calidad e inclusión del sistema educativo; estimula la expresión artística como herramienta fundamental para la transformación de la sociedad; potencia la cultura emprendedora y el conocimiento financiero de las personas dotándolas de herramientas para alcanzar sus objetivos profesionales y personales e incentiva el desarrollo del voluntariado corporativo, promoviendo actividades con impacto social y formativo en espacios de más vulnerabilidad. http://www.fundacionitau.org.ar/

  • CONVOCATORIAS. Arte visual. Febrero/Marzo 2021

     

    109.° SALÓN NACIONAL DE ARTES VISUALES – CONVOCATORIA 2020/21

    La inscripción es online a partir del 23 de diciembre de 2020. ¡Atención! Hasta el 21 de febrero se extiende el plazo de inscripción al Premio Nacional a la Trayectoria Artística.

    Se premiarán veintisiete (27) obras en total: tres (3) mejores obras del conjunto de categorías y tres (3) mejores obras de cada una de las ocho categorías.

    Premio adquisición PRESIDENCIA DE LA NACIÓN a la primera mejor obra del Salón Nacional de Artes Visuales: $500.000

    Premio adquisición a la segunda mejor obra del Salón Nacional de Artes Visuales: $330.000

    Premio adquisición a la tercera mejor obra del Salón Nacional de Artes Visuales: $250.000

    Premio no adquisición a la primera mejor obra de cada categoría: $110.000

    Premio no adquisición a la segunda mejor obra de cada categoría: $80.000

    Premio no adquisición a la tercera mejor obra de cada categoría: $60.000

    ¿Qué es?

    El Salón Nacional de Artes Visuales es un certamen que se realiza de manera ininterrumpida desde 1911.

    La edición 2020/21 se compone del Premio Salón Nacional de Artes Visuales y el Premio Nacional a la Trayectoria Artística.

    ¿Para quiénes?

    La convocatoria al Premio Salón Nacional de Artes Visuales está dirigida a artistas (y colectivos de artistas) argentinxs o extranjerxs con dos años o más de residencia legal en la República Argentina, mayores de 18 años.

    La convocatoria al Premio Nacional a la Trayectoria Artística está dirigida a artistas argentinxs nativxs o naturalizadxs, mayores de 45 años.

    ¿Qué categorías artísticas abarca?

    Cerámica, dibujo, escultura, fotografía, grabado, instalaciones y medios alternativos, pintura y textil.

    Sólo se puede participar con una obra en una sola categoría.

    ¿Cuándo me inscribo?

    Premio Nacional a la Trayectoria Artística: del 23 de diciembre de 2020 al 18 de febrero de 2021. Prórroga

    Más información

    https://palaisdeglace.cultura.gob.ar/info/el-salon-nacional/ 

     

    MediaLab CCEBA

    En el marco del programa MediaLab CCEBA, el Centro Cultural de España en Buenos Aires-CCEBA convoca a la primera edición del Premio de Arte Contemporáneo MediaLab CCEBA 2021, Prácticas artísticas y tecnologías, cuya finalidad es valorar y promocionar la investigación y producción artística en la República Argentina.

    El programa MediaLab del CCEBA funciona de manera ininterrumpida desde 2004 como un espacio destinado a la producción, reflexión y formación enmarcados en torno al arte en intersección con la ciencia y la tecnología a través de actividades tales como talleres, seminarios, laboratorios de producción etc. El objetivo es explorar los territorios que surgen de la unión de estos dos ámbitos en nuestra cultura contemporánea. Desde esta perspectiva convocamos a artistas a participar del Premio de Arte Contemporáneo MediaLab CCEBA 2021. El resultado final reconocerá a aquellas obras que logren enlazar procesos de experimentación tecnológica con los códigos, interrogantes y conceptualizaciones propios del Arte Contemporáneo.

    La convocatoria tiene dos objetivos centrales:

    A- Estimular la investigación y producción de obras enmarcadas en el campo del arte y tecnología.
    B- Dar impulso a proyectos artísticos que den cuenta de articulaciones singulares entre la dimensión tecnológica de las obras y sus respectivas propuestas conceptuales.

    La inscripción se realizará online en un formulario que deberá completar en su totalidad en el siguiente link hasta el 31 de marzo de 2021:

    http://www.cceba.org.ar/medialab/premio-de-arte-contemporaneo-medialab-cceba-2021

     

    ASOCIACIÓN ARGENTINA DE CRITICOS DE ARTE Y COLECCIÓN AMALITA

    PODRÁN PARTICIPAR
     Estudiantes, artistas, críticos, curadores e investigadores, mayores de 18 años, argentinos o extranjeros con residencia en la Argentina no menor a dos años.
    Esta primera edición estará dedicado a propuestas de curaduría que trabajen con un artista del acervo de la Colección AMALITA en relación con un artista contemporáneo invitado.

    PREMIOS
    Primer Premio de $50.000.- y la realización de la exposición. El artista seleccionado en el proyecto recibirá honorarios por $30.000.

    INSCRIPCIÓN
    La recepción de las propuestas se realizará entre el 1 de enero y el 31 de marzo de 2021. No se admitirán los proyectos enviados con posterioridad a las 00hs del 1 de abril de 2021 (hora del mail).

    http://coleccionfortabat.org.ar/ConcursoAACA.html

  • CICLO ARTE VERDE. Peter Guerrero Gorigoitía: «el hombre sin arte se convierte en una máquina sin vida»

    Por Florencia Deleo
    Comenzamos un nuevo ciclo, ARTE VERDE, pensado y entendido, específicamente como un tipo de arte en auge y que, probablemente, será una de las técnicas más utilizadas por su costo y por la concientización que genera sobre el cuidado del medioambiente.
    Muchos son los materiales que los artistas utilizan según la complejidad, el tiempo de producción, el gusto, la moda, etc. Profundizando, buscando e investigando, conocimos a Peter Guerrero Gorigoitía, oriundo de Santiago de Chile, de profesión analista de sistemas; de corazón, escultor. A nivel nacional, ha vendido gran cantidad de obras de variado tamaño y temática.
    De joven, sus años en el liceo industrial, le dieron las herramientas técnicas y una creciente inquietud artística y necesidad de creación, que fue la chispa que lo llevó paulatinamente a desarrollar esculturas con neumáticos en desuso desde el año 2012.


    EEA: ¿Cómo surgió la idea de crear arte, animales, con neumáticos?

    PGG: Partió en un paseo familiar donde vimos unos maceteros en forma de cisnes muy lindos. Quedé con ganas de hacerlo y me metí en Internet para saber cómo se hacían. Buscando esto, me aparecieron esculturas que me impactaron tanto que decidí intentar hacer una. Así, hice mi primer tiburón, lo publiqué en RRSS y me lo pidieron para exponerlo en Lollapalooza, en el área verde, y así es que me di cuenta que sirven mucho para colaborar con crear conciencia ambiental y, junto a mi esposa que también es parte de esto, no hemos parado desde febrero del 2012.

    EEA: ¿Qué representan tus obras?

    PGG: Las obras contienen muchos mensajes positivos y eso es lo que quiero representar y expresar, los más importantes son el llamado a reciclar y cuidar el medio ambiente, y el cuidado a nuestros hermanos menores que son nuestra fauna, que está en grave peligro a causa de nosotros.

    EEA: ¿Es posible fusionar de alguna forma tu profesión y tu lado artístico?

    PGG: Mi profesión de analista programador es algo fría y calculadora -risas-, pero la he logrado fusionar por el lado de los cálculos matemáticos (que ni siquiera son tan complejos) como para, por ejemplo, llevar a escala una figura de un animal u obtener la longitud de un corte que tengo que hacer para una circunferencia o elipse, para esto tengo una planilla excel donde pongo los parámetros y me da el resultado rápido sin tener que estar calculando a cada instante, sólo por ese lado realizo la fusión por que por el lado conceptual, lo mío son los animales. 

    EEA: Desde tu punto de vista, ¿Cuál es la parte de tu trabajo que crea mayor concientización respecto al medioambiente?
    PGG: Es el hecho de usar este material que es tan tosco y es literalmente despreciado, ya que cuando termina su vida útil, se bota a los vertederos directamente y producen una gran contaminación. La gente al enterarse que son de este material no lo pueden creer y eso ayuda mucho a crear conciencia.

    EEA: ¿Creés que en un futuro próximo, realizar arte con materiales reciclables puede llegar a ser una constante?
    PGG: Me imagino que sí, porque cuando se crea más conciencia, lleva a las personas a seguir lo sustentable, pero lo que me preocupa es que el arte no tiene la posición de importancia que debería tener, y esto creo que es a nivel de Chile; no sé si a nivel latinoamericano, ya que estamos más preocupados en que crezca la economía pero sin invertir en cultura ni arte, sobre todo en estos tiempos, -lo que puede parecer justificable- pero el hombre sin arte se convierte en una máquina sin vida.

    EEA: ¿ Cuál fue la obra mejor vendida y a quién?

    PGG: Fue la escultura de Neytiri, que la vendí junto a la escultura del perro Cholito (El perro cholito fue un ícono de lucha contra el maltrato animal, incluso se promulgó una ley de tenencia responsable con su nombre). Fueron vendidos a un un particular que es dueño de una empresa que promueve el reciclaje. Él no se identificó ya que envió a un tercero a adquirir la obra, pero quedamos conformes ya que la valoró y la apreció tanto como nosotros.
    CONTACTO:

    Facebook personal y artístico
    Instagram personal y colectivo
    Teléfono: +56977519902

    Mail: artecicla.cl@gmail.com

  • CICLO GALERISTAS 2020: WALTER SOTELO Y MARCELA REY, Juana de Arte Galería.

    Por. Nahomi Martínez

    En medio de esta crisis mundial, que obligó a todos los ámbitos a repensarse y rearmar sus estrategias de gestión y planes de trabajo para poder no solo sobrevivir sino remontar una situación que condicionaba y parecía “parar” cualquier proceso, el mundo del arte, las galerías, coleccionistas, galeristas han comenzado a plantear nuevas formas de mantener activo y potenciar su trabajo y el de los artistas, usando las herramientas que la virtualidad y la tecnología nos pone a mano para no dejar un vacío en el consumo de arte.

    En un ciclo de conversaciones y entrevistas con galeristas argentinos, nos sentamos a conversar con Walter Sotelo y Marcela Rey quienes dieron vida en 2014 a Juana de Arte, una conocida galería de arte ubicada en Martínez, en la zona norte muy cerca de la capital de Buenos Aires, Argentina. Año a año, tras una fuerte actividad, acciones, muestras y acercamiento a artistas, este espacio se fue abriendo paso y hoy, luego del proceso obligatorio de rearmado de sus acciones, nos cuentan qué ocurrió durante este 2020, cuál es su lugar en el arte y qué les espera en esta nueva normalidad. 

    EeA: ¿Cómo inicia este camino en el mundo de arte, cómo nace la decisión de tener una galería?

    W/M Abrimos este espacio hace 6 años por una pasión unida que teníamos con Marcela, yo venía de trabajar muchos años en la labor comercial en empresas multinacionales y decidí hacer un cambio de acuerdo a mi pasión por el arte, Marcela desde su lugar (si bien continúa trabajando en una empresa) tenía las mismas pasiones, eso dio como resultado afrontar este negocio desde el placer y tomando muy seriamente qué podíamos ofrecer en principio en el arte emergente.

    Siempre tuvimos la pintura y la historia del arte como principios básicos y veíamos muchas cosas que faltaban para acompañar al artista emergente. Así arrancamos.

    EeA: ¿Cuáles son los nuevos desafíos en esta difícil época para las artes y la cultura

    W/M: La pandemia que tanto afectó, también dejó tiempo para pensar, de ahí salieron muchas ideas que las llevamos adelante sin detenernos, diseñamos una plataforma web de ventas de obras de grandes maestros de la pintura y de artistas del mercado primario, como también una serie de herramientas y servicios para estos artistas.

    Esto viene muy potenciado gracias a las Subastas de Arte que incorporamos hace ya un año y nos trajo una clientela de coleccionistas y de comerciantes de arte y qué mejor que mostrarle a esta nueva clientela los artistas del mercado primario.

    EeA: ¿Cómo reflexionan que será la secuela de las circunstancias que exige replantear la actividad tal como se practicaba o conocía?

    WS: Creo que la mejor reflexión ante todo lo que viene es no detenerse. 

    EeA: ¿Cuál tendría que ser el rol de estos espacios de difusión, exhibición y legitimación del arte local y qué tendría que cambiar?

    WS: Pienso que debemos ayudar, construir, guiar y diseñar herramientas y servicios para un arte (siempre hablando del mercado primario) muy maltratado. Los cambios deben ser llevados a cabo y no que queden en utopías.

    Y este trabajo (como todos) deben tener un costo adecuado al mercado primario, esto lo digo ya que mucha gente cree que el arte es algo glamoroso y para una cierta elite y nada que ver, el arte es arte ni más ni menos, no tiene géneros ni clases sociales.

    EeA: ¿Cómo se planifica un espacio teniendo la certeza de que no hay certeza de nada?

    WS: Creo que estos espacios se planifican como cualquier proyecto comercial y utilizando algo tan simple como «el sentido común».

    EeA: ¿Cuáles son los planes para los próximos meses y el próximo 2021?

    W/M: Los planes para el 2021 en principio seguir creciendo por todo lo antes comentado, Subastas, Muestras en nuestra galería (la cual estamos ampliando), servicios, etc. En Abril estaremos con un amplio stand en ARTEXPO NEW YORK 2021 (ya que fue suspendida en abril 2020 por lo ya conocido) llevando a 30 artistas y cerca de 70 obras, un gran desafío que nos planteamos y queremos seguir con estas experiencias internacionales, dentro de este viaje tenemos varias reuniones ya pactadas con profesionales en la venta internacional de obras, algo que también queremos alcanzar y necesitamos aprender bien los pasos a dar.

    Más de Juana de Arte

    www.juanadeartegaleria.com

    www.instagra.com/juanadeartegaleria

    info@juanadeartegaleria.com

     

  • ARTE. Marcelo Toledo presenta ALQUIMIA en la Plaza Naciones Unidas

    Por. Nahomi Martínez 
    PH. Almudena Van der Ghote 

    En el marco del Día Nacional del Donante Voluntario de Sangre y en un trabajo conjunto con la Asociación Civil Dale Vida, Marcelo Toledo presenta la primera instalación site-specific post emergencia sanitaria, abierta al público para ser visitada de manera presencial en el Parque Naciones Unidas, en el Barrio de Recoleta, Ciudad de Buenos Aires, Argentina.

    Toledo fue uno de los primeros casos de COVID-19 en la ciudad porteña y una de las primeras personas en convertirse en donante voluntario de plasma, esta situación lo llevó a una profunda reflexión, a estar en contacto con Dale Vida, organización que promueve la donación voluntaria de sangre desde 2005 y a proponer una instalación que acerque la temática de la importancia de la donación voluntaria de sangre a miles de personas, usando el arte como lo que es, una herramienta de transformación y de comunicación.
    En esta nota, te contamos todos los detalles de esta acción que además, se apoyará en tres jornadas de donación voluntaria en la explanada de la Facultad de Derecho de la UBA. 
    Una oportunidad única para volver a conectar con el arte, con la solidaridad y la reflexión de que todos podemos salvar la vida de otros con solo poner nuestro brazo y brindar una hora de nuestro día para donar sangre.
    La obra de este artista aplaudido y reconocido internacionalmente por su maravilloso trabajo, bautizada ALQUIMIA, transmutar a través del arte, estará abierta al público desde el 7 hasta el 15 de noviembre con entrada libre y gratuita en la Plaza Naciones Unidas, donde este site-specific convivirá con la mundialmente famosa Floralis.

    Según palabras de Marcelo Toledo «el arte cura, transforma y este paralelismo permitirá que cada espectador sienta y viva de cerca el valor del acto de donar sangre y de dar vida».

    Con qué se encontrarán los espectadores

    La obra propone el acercamiento con elementos inherentes a la donación de sangre, 365 bolsas madres, pies de suero y la experiencia de estar de frente con la posibilidad de salvar la vida de muchas personas aportando algo muy nuestro, nuestra voluntad y nuestra sangre.

    “El acto de donar es voluntario y anónimo. Esta acción de dar una parte de uno sin saber quien la recibirá pero sabiendo que lo que vos tienes aunque sea invisible puede salvar a otro. Y una especie de alegoría también con esta pandemia. La verdad que habiendo sido unos de los primeros argentinos en contraer Coronavirus me hizo reflexionar mucho, fue un intenso y gran aprendizaje.

    El acto de donar y al igual que esta pandemia nos iguala, de la misma manera que nos iguala el hecho de recibirla. Cuando uno necesita ser transfundido no podemos hacer nada más que depender del otro.

    Por eso una de las grandes cosas que creo es «Que la salvación sólo será colectiva»

    La sangre no se fabrica.

    La sangre no se vende ni se compra.

    La sangre no se comercializa.

    La sangre no existe si uno no la brinda.

    Y cuando la necesitemos no sabremos quien fue el que la dio, solo nos daremos cuenta que el acto de amor de otro nos salvó la vida.



    Toledo sobre el espacio público
    Por otro lado, creo que los artistas deberíamos mirar más el espacio público ya que considero que deberían ser los nuevos patios de los museos. Y también el espacio público tiene la particularidad al igual que la sangre, que es gratuito, que es para todos, que no distingue ni credos, ni razas ni nada.

    Una de mis últimas muestras, que ahora está colgada en el subte, justamente en frente de la plaza Naciones Unidas, se llamó Matriz, arte como regeneración. Y sigo sosteniendo que el arte cura, que el arte tiene la particularidad de hacernos reflexionar, de mirarnos, escucharnos y transformar todo eso que nos sucede a favor nuestro y de los demás.



    El arte produce esta ALQUIMIA que transforma lo que nos inquieta en expresionismos pura y eso transforma a nuestro entorno.

    Y también me da mucho placer saber que este site-specific será la primera muestra de arte post pandemia en el espacio público respetando todos los nuevos protocolos de la Ciudad de Buenos Aires”
    Más información sobre esta acción que logra unir el arte con una causa vital para toda la población

    Esta propuesta artística, cultural y concientizadora estará complementada con la posibilidad de donar sangre respetando las normas de bioseguridad en un móvil que se encontrará en las inmediaciones de la plaza, a cargo de la Red de Medicina Transfusional del GCBA, los días sábado 7, jueves 12 y sábado 14 de noviembre de 10 a 15 Hs.

    La instalación y la acción en su totalidad, está pensada y diseñada para convivir con las actividades desarrolladas en la Plaza y todos sus usuarios, siendo una muestra abierta a todo el público de manera completamente gratuita. Las personas que deseen además, donar sangre voluntariamente, deberán sacar un turno previo en donarg.com.ar 

    Toda la información podrá encontrarse en las redes sociales @dalevidaong y dalevida.org.ar
    Sobre el Día Nacional del Donante Voluntario de Sangre
    El 9 de noviembre de 1914 el Dr. Luis Agote llevó a cabo, con total éxito, la primera transfusión de sangre anticoagulada en el ser humano, y con su valiosa contribución dejaba sentadas las bases para que el banco de sangre pudiera ser una realidad. En honor a este acontecimiento, se dedica el 9 de noviembre de cada año a conmemorar el Día Nacional del Donante Voluntario de Sangre.

    Sobre la Asociación Civil Dale Vida
    En el marco de esta conmemoración, la Asociación Civil Dale Vida cumple 15 años de trabajo incansable promoviendo la donación voluntaria de sangre, generando diversas acciones de sensibilización, concientización y abriendo espacios para la participación directa con la temática, charlas, encuentros, jornadas, etc. Hoy invita a toda la comunidad a sumarse y asumir un rol protagonista en la donación voluntaria y altruista de sangre.

    Donar sangre es un acto de amor, un acto altruista que promueve el bien común. 


    Más información dalevida.org.ar

    www.instagram.com/dalevidaong

    www.facebook.com/dalevidaong

    comunicaciones@dalevida.org.ar

  • ENTREVISTA. Paula Celestino «El legado artístico de Basilio Celestino (1922-1976)»

    Por. Nahomi Martínez

    Hoy tengo el inmenso
    placer de conocer y compartir el legado artístico y conceptual de Basilio
    Héctor Celestino, nacido en Buenos Aires en 1922, sus primeros pasos en el arte
    fueron desde muy chico, impulsado por un tío y acompañado por una familia que
    no dudó jamás de su creatividad, su pasión y compromiso por el arte y su talento.

     Egresado de la Academia de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, continuó su
    formación artística en la Universidad de Cuyo, Mendoza. Celestino fue discípulo
    y ayudante de taller del maestro Ramón Gómez Cornet (1898 – 1963). Su carrera
    se vio marcada por viajes y mudanzas a Santiago del Estero, Madrid, Tetuán,
    París, Mar del Plata, donde se instala durante casi veinte años y Caracas donde
    muere en 1976.

     Celestino, mostró su
    obra en distintos lugares del mundo y además de ganarse y cultivar excelentes
    comentarios sobre su obra y el respeto de críticos, periodistas y curadores de
    la época, obtuvo el segundo Salón Colectivo de la Mutualidad Estudiantes de
    Bellas Artes (1943), Primer premio en el Salón Anual de Artes Plásticas del
    Norte Argentino (1950), Primer Premio de Dibujo en el Salón de la Provincia de
    Buenos Aires realizado en La Plata 
    (1952), Primer premio del Proyecto de Murales, convocado por el Centro
    de Ingenieros y Arquitectos de Mar del Plata (1966).

    Se considera que su
    producción alcanza a las 3.000 obras, entre dibujos, grafitos, tintas y óleos, que
    abarcan el Expresionismo, Surrealismo y Nueva Figuración. Solo el 10% de
    esta obra se encuentra en propiedad de su esposa Ana María Ayala, quien reside
    actualmente en Buenos Aires, Argentina.

    En 2019, Paula
    Celestino Ayala, única hija del artista, publicó un libro biográfico “Celestino”,
    que recorre la vida y obra de este profundo, reflexivo y prolifero hombre,
    dibujante, pintor, muralista y docente.

    En junio de 2020,
    bajo la dirección de Celestino Ayala, se activaron las redes sociales oficiales
    que difunden la obra y vida del artista, promoviendo la participación e
    interacción de los amantes del arte argentino, curadores, coleccionistas y
    periodistas en este espacio virtual.

    En esta oportunidad
    pudimos conversar con Paula Celestino sobre su padre, el gran artista, sobre su
    vínculo con la obra y este maravilloso trabajo de rescate y difusión que viene
    a poner en evidencia que el arte más visceral, honesto y humano es el que hace
    historia y trasciende, tal como lo demuestra Basilio Celestino.     

    EeA ¿Cuál fue tu primer acercamiento a la obra de tu
    padre?

    PC: Como toda hija de
    pintor, crecí entre cuadros. Desde que tengo uso de razón están colgados en las
    paredes de mi casa, camino entre ellos en distintas habitaciones y estuvieron
    siempre prioritariamente guardados en todas las mudanzas. Por algunos recuerdos
    y rastros que encuentro sé que pasaba tiempo con mi padre en el taller, así que
    están mis garabatos atrás de algunas obras y fotos de estos momentos.

    Creo que hasta un
    momento la obra y mi padre fueron lo mismo para mí. Como todo lo que nos es
    natural, recién cuando me empecé a ocupar de movilizar la obra fui tomando
    contacto con ella desde otro lugar, a “mirarla” en forma más disociada.

    Esto me llevó a
    interesarme en el arte, a entender el tema y el contexto y a buscar o construir
    distintos y nuevos sentidos. Este fue también el momento en el que me enamoré
    de la obra. Especialmente la que contiene más poética o belleza y como nos pasa
    a todos con el arte, a encontrarme reflejada en algunos rasgos o maneras de
    decir las cosas.

    Al hacer este
    ejercicio dejé de tenerle miedo a algunos representantes del “bestiario” de
    Celestino, y todo se fue integrando en mi entendimiento y en mi corazón.



    EeA: ¿Cómo y por qué decidiste realizar este trabajo
    investigativo para el armado del libro? Contanos el proceso

    PC: La idea del libro
    surgió de una recomendación de Pelusa Borthwick, quién nos venía aconsejando y
    guiando desde hace varios años. Así que presentamos el proyecto para Mecenazgo
    Cultural de la Ciudad de Buenos Aires y a partir de la aprobación empezó todo
    el proceso. La razón principal era tener una herramienta de divulgación y a su
    vez, mostrar una selección de la obra contextualizada en cada momento de su
    vida y con cada lugar en el que vivió. Para lograr esto fue fundamental, además
    de Pelusa, quién fue una guía permanente, el equipo formado por Gustavo Valle,
    Ariel Vilches, Daniel Wolkowickz y Valeria Sorin y grandes apoyos para la
    discusión e intercambio como Patricia Moreira y Alejandra Mettler. También las
    charlas como la que tuve con Graciela Di Iorio y José Petroli, entre otros, me
    confirmaron que más allá de mi interés como hija, íbamos a contar algo que
    merecía ser divulgado. Un eterno agradecimiento al equipo que como grandes
    profesionales pero también con real interés y mucho respeto hicieron todo mucho
    más fácil, así como a todas las personas e instituciones que aceptaron ser
    entrevistadas o brindar algún tipo de información. También es necesario
    mencionar a las empresas que aportan a través de Mecenazgo, que si bien es aún
    insuficiente, genera posibilidades de realización que de otra manera no
    tendrían fondos.

    En cuanto el proceso
    puedo sintetizarlo en un concepto: de una enorme movilización emocional y
    afectiva. Nos tomó casi dos años entre la búsqueda de información, chequear lo
    que teníamos, ir a fuentes, hablar con personas que lo conocían o que eran
    cercanas a sus amigos, volver a leer todo lo que hay publicado sobre él con una
    nueva mirada. Y lo más difícil: decidir qué dejar escrito sobre Celestino y a
    cada momento pensar si él lo hubiera querido así.

    EeA: ¿Qué historias o elementos descubriste en todo este
    proceso de investigación y rescate de la obra?

    PC: Terminar de
    contrastar historias familiares o supuestos, buscando indicios y en todo
    momento chequeando los datos y situaciones con su principal “biógrafa” que es
    mi madre. Ella fue quien más tiempo estuvo en forma constante a su lado y sin
    duda quién más lo conoció. Es claro que cada historia es de quién la escribe,
    pero a pesar de esto, tratamos de incluir todas las voces que nos fue posible
    entrevistar y ser todo lo exhaustivos posibles con la búsqueda de material.

    Entre las cosas más
    movilizantes están la carta de Mario Stafforini, publicada en el libro,
    fallecido a mediados de este año. Y la charla con Eduardo Nachman, quien tiene
    recuerdos de él de cuando era niño, y ver los dos dibujos que le hizo mi padre
    al suyo.

    Pero sin duda el gran
    aprendizaje de hacer un libro como éste es superar la barrera de lo personal
    para dejar que se conozca, entender que un artista y lo que crea pasa a ser
    algo que puede tener interés público y que merece llegar a quienes puedan
    disfrutarla o tener alguna interacción o interés en la obra.

    EeA: ¿Cuál es el objetivo de este libro?

    PC: Formalmente,
    contar con una herramienta de divulgación de la obra y del artista. Más allá de
    todo lo que uno pueda decir, la obra está allí para defenderse sola. Pero si no
    tiene una oportunidad, no es posible ni apreciarla ni cuestionarla.

    En términos
    personales, dejar plasmada la mayor información que consideramos relevante
    sobre Basilio y su vida es un alivio, una especie de etapa cumplida que ahora
    me permite abordar nuevos caminos.

    EeA: ¿Qué sentís al encontrarte con el importante aporte
    de tu padre en el Arte Argentino de aquella época?

    PC: Es difícil
    decirlo para mí. Siento orgullo la verdad, por lo que es la obra y por la
    integridad con la que la creó. Y al mismo tiempo, el peso de la responsabilidad
    ante la incertidumbre del lugar y la forma en la que deba estar disponible.
    Aquí comparto esto tanto por la obra de mi padre como por la de tantos artistas
    que no están visibilizados en Argentina y en Latinoamérica.



    EeA: ¿Qué aspecto considerás, personalmente, que es más
    relevante de la obra de tu padre?

    PC: No puedo ser
    objetiva en este punto. Entiendo que el lugar que tiene el dibujo es algo que
    lo destaca enormemente. De todos modos, creo que lo más importante está
    pendiente: y es exponerse a la mirada de otras personas y que la obra tenga la
    oportunidad de “ponerse a prueba”, de mostrarse. De ahí surgirá qué lugar deba
    ocupar y sin duda, sabremos qué es lo más relevante.     

    EeA: ¿Qué reflexionás de todo este proceso de
    investigación y difusión de la obra de tu padre luego de tantos años?

    PC: A casi medio año
    de haber publicado el libro y a unos meses de haber iniciado la difusión a
    través de redes sociales, un poco de vértigo y ansiedad, miedo de cómo puede
    ser recibida la obra, dudas sobre si las decisiones tomadas para el manejo de
    la comunicación son las correctas o las mejoras, pero también alivio porque, de
    una forma u otra, se está mostrando y llegando a la gente aunque no tenga
    respaldo académico ni institucional alguno. Basilio se manejaba sin
    intermediarios y parece que fue necesario que seguir ese mismo camino.

    EeA: ¿Qué te gustaría que tengan en cuenta los
    espectadores de la obra de tu padre al acercarse a su trabajo?

    PC: Libertad interior
    total para apreciar, interpretar y que te guste o no. Lo único que puedo
    recomendar es que no se queden con la primera impresión, que entrecierren los
    ojos y miren en detalle y despacio, porque seguro hay cosas para descubrir.

    Más de Basilio Celestino:

    www.instagram.com/basiliocelestino

    www.facebook.com/basiliohcelestino

    El libro puede ser descargado de manera digital y gratuita ingresando a www.basiliocelestino.com



    Imágenes por orden de aparición:
    1. Fotografía de Basilio Celestino
    2. El EspigónEl. Técnica mixta – 70 x 50 cm. Mar del Plata – 1965
    3. Portada del libro Celestino
    4. En Galería del Mar. Mar del Plata, 1967. De izq. a der. Ana María Ayala, Elisa Borthwick de Muchnick, Ana María Marcangelli, Dr. Pablo Corral, escultor italiano y Basilio Celestino.
    5. La nave. Tinta – 63 x 44 cm. Mar del Plata, Buenos Aires. Argentina. Estimado 1969
    6. Chica en la cabina telefónica. Tinta y acuarela. 41 x 45 cm. Caracas, Venezuela – Estimado 1975
    7. Sin título. Tinta. 35×50 cm. Caracas, Venezuela – Aprox. 1975

     

  • AGENDA | Charlas Abiertas sobre Arte y Patrimonio

    EL ROL DEL ARTE, LA SENSIBILIDAD Y LA CREATIVIDAD EN EL APRENDIZAJE
    El próximo miércoles 10 de junio se llevará a cabo un panel de expertos, abierto a la comunidad, que buscará exponer las diversas miradas sobre el rol del arte, la sensibilidad y la creatividad en el proceso del aprendizaje. 
    Esta charla dará el puntapié inicial a un ciclo de acciones culturales, que incluyen un recorrido virtual de la muestra de arte de la Universidad en el Museo Caraffa de la Ciudad de Córdoba, y la apertura de un programa académico online sobre arte y coleccionismo. 
    Como parte de su vigesimoquinto aniversario y con una nueva modalidad adaptada al actual contexto, la Universidad Siglo 21 presenta una agenda de actividades culturales virtuales abiertas a toda la comunidad. Se trata de una serie de experiencias completamente digitales, que permitirá a cualquier persona interesada en la temática, vivenciar el arte sin salir de sus casas. 
    De esta manera, el próximo miércoles 10 de junio a las 18h se llevará a cabo un panel de expertos en arte, cultura y educación. Se trata de una charla interactiva alrededor del tema: “El rol del arte, la sensibilidad y la creatividad en el aprendizaje”, que contará con la presencia de la Lic. Fabiana Renault, Docente Experta en Creatividad e Innovación de Siglo 21; Mgter. Soledad Pérez, Decana de Ciencias Aplicadas de Siglo 21; Mgter. Roxana Singer, docente de la Lic. en Publicidad de Siglo 21 y Tomás Bondone, Director del Museo Nacional Estancia Jesuítica de Alta Gracia y Casa del Virrey Liniers y curador de la muestra de Siglo 21, bajo la moderación de la Mgter. Florencia Magaril, productora cultural y curadora educativa. La iniciativa invitará a los participantes a pensar las infinitas posibilidades creativas que surgen en el encuentro entre el mundo del arte y el de la educación. La actividad es gratuita, será transmitida vía Facebook, con inscripción previa en este link.
    Para Siglo 21, la expresión artística forma parte del ADN de la universidad, contribuyendo a la construcción de conocimientos y experiencias que amplifican el campo perceptivo desde la imaginación, la expresión y la observación. Por ello, y como parte de la agenda de actividades previstas, pronto se inaugurará un recorrido fotográfico virtual en 360° por la exposición de arte que se exhibe en el Museo de Bellas Artes Emilio Caraffa de la ciudad de Córdoba; la muestra incluye más de 70 obras de artes visuales que forman parte de la esencia y patrimonio cultural de Siglo 21. Así, los usuarios podrán recorrer exhaustivamente la exposición desde cualquier perspectiva, observando los detalles a través de una fotografía de gran calidad y nitidez.
    “Como Universidad, entendemos que la expresión artística atraviesa el mundo del conocimiento y contribuye a la construcción de una sociedad más tolerante, fomentando el pluralismo y la diversidad. El arte es la más clara expresión de la emoción humana, nos enseña a ser más abiertos y permite que nos expresemos en forma creativa “, expresó la Mgter. María Belén Mendé, Rectora de la Siglo 21. 
    Además, el próximo 10 de julio se suma a la currícula académica de la Universidad el curso “Arte y Coleccionismo – Introducción al Arte desde la perspectiva del coleccionismo contemporáneo” con formato 100% online. El programa tiene como objetivo compartir una mirada sobre el arte desde la perspectiva teórica, que contempla a las “obras de arte” como valores coleccionables y de mercado, y la importancia de un coleccionismo consciente, tanto público como privado en la evolución en general de las artes visuales. 

    Acerca de Universidad Siglo 21

    Es la institución educativa de nivel superior privada más elegida por los argentinos, según datos oficiales del Anuario de Estadísticas Universitarias del Ministerio de Educación de la Nación. Fue creada en 1995 por la familia Rabbat en la provincia de Córdoba. Su rectora es la Mgter. María Belén Mendé. Tiene sede en la ciudad de Córdoba y presencia en las 23 provincias argentinas, la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y la Antártida Argentina (Base Orcadas), a través de más de 350 Centros de Aprendizaje Universitario (CAUs). En Universidad Siglo 21 estudian más de 65.000 alumnos y cuenta con más de 43.200 egresados. La propuesta educativa de la institución está compuesta por más de 100 programas de pregrado, grado, posgrado y formación continua a través de metodologías educativas de vanguardia atravesadas por la tecnología. Junto a Ilumno, red global de universidades de LATAM, Siglo 21 lidera en la región los avances en la incorporación de nuevas tecnologías y recursos de innovación didáctica a los procesos de enseñanza-aprendizaje generando esquemas y modelos que se adaptan a las distintas características y tiempos de las personas. Ofrece el primer MBA Virtual del país. Actualmente es la única Universidad de la región que cuenta con una alianza con la FCB Universitas para la generación y dictado de programas educativos en distintas áreas claves de aplicación tales como los servicios médicos, el rendimiento, la tecnología, los deportes de equipo y las ciencias sociales, entre otras. www.21.edu.ar
    Curso virtual, abierto y gratuito en “Patrimonio Cultural”
    Maestría en Patrimonio Cultural
    Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia

    Plataforma de acceso: Facebook live en la página de Facebook: Maestría en Patrimonio Cultural Uptc

    Número de encuentros: 5

    Duración de cada encuentro: 90 minutos

    Fechas de realización: 5 semanas de los meses de junio y julio de 2020, jueves 4 p.m.

    Gratuito: requiere inscripción
    Objetivo:
    En tiempos de confinamiento, y con el propósito de mantener el diálogo y la construcción de conocimiento, la Maestría en Patrimonio cultural de la UPTC, ofrece a especialistas y no especialistas, a gestores, actores patrimoniales, y en general al público interesado, un curso de libre acceso que trate sobre temáticas y elementos sustanciales alrededor del patrimonio cultural. Con una excelente formación y trayectoria.
    Características:
    Quienes presentan en este curso son expertos docentes, gestores e investigadores que manejan con propiedad los diferentes tópicos propuestos. Estos son docentes de nuestra universidad y de otras instituciones de primer nivel y con trayectoria en los trabajos sobre patrimonio.
    El curso consta de 5 sesiones, cada sesión será virtual y transmitida por Facebook live en la página de Facebook Maestría en Patrimonio Cultural Uptc. La duración de cada encuentro es de 90 minutos, el mismo será impartido por dos expertos invitados y moderado por uno de los docentes de la Maestría en Patrimonio Cultural de la UPTC. Los primeros 50 minutos serán destinados a la presentación y discusión de las temáticas y los otros 40 a dialogar con el público, profundizando en los temas planteados y respondiendo las preguntas planteadas.
    El curso al ser de acceso abierto, no tiene ningún costo o restricción, pero tampoco contará con certificación, es una estrategia pedagógica y de extensión de nuestro programa para formar a públicos interesados y acercarnos a sus casas y a sus reflexiones alrededor del patrimonio y lo cultural.

    Temáticas y Sesiones:

    1. Perspectivas contemporáneas del Patrimonio Cultural (Jueves 11 de junio de 2020)
      Duración: 90 minutos. Inicio 4 p.m.
      Participantes: Monika Therrien – Fundación Erigaie, Luis Fernando Arenas – Ministerio de Cultura. Andrés Ospina – Maestría en Patrimonio Cultural UPTC (Moderador).

    2. Discusiones y encuentros entre el Patrimonio Material e Inmaterial (Jueves 18 de junio de 2020)
      Duración: 90 minutos. Inicio 4 p.m.
      Participantes: Pedro María Argüello – UPTC, Manuel Salge – Universidad Externado de Colombia. Andrés Ospina – Maestría en Patrimonio Cultural UPTC (Moderador).

    3. Relaciones entre gestión y patrimonio Cultural (Jueves 25 de junio de 2020)
      *Esta sesión cambia su hora con respecto a las demás. No inicia a las 4 sino a las 3:30 pm.
      Participantes: Juliana Campuzano – Universidad Externado de Colombia, Eloisa Lamilla Fundación Erigaie, María Angélica Garzón – Maestría en Patrimonio Cultural UPTC (Moderadora).

    4. Arqueología y Patrimonio Cultural (Jueves 2 de julio de 2020)
      Duración: 90 minutos. Inicio 4 p.m.
      Participantes: Monika Therrien – Fundación Erigaie, Clemencia Plazas – Universidad Nacional de Colombia. Pedro María Argüello – UPTC (Moderador).

    5. Etnografía y Patrimonio cultural (Jueves 9 de julio de 2020)
      Duración: 90 minutos. Inicio 4 p.m.
      Participantes: Luis Alberto Suárez – Universidad de Caldas. Sergio Carrizo – Universidad Nacional de Tucumán-Argentina, María Angélica Garzón – Maestría en Patrimonio Cultural UPTC (Moderadora).

    Arte y Museos Hoy
    Universidad de Navarra
    Webinar – Conversación online
    Fecha: 11 jun, 17.00 h

    Disertantes: Miguel Zugaza, director del Museo de Bellas Artes de Bilbao; y Jaime García del Barrio, director del Museo Universidad de Navarra, mantendrán esta conversación sobre Arte y museos hoy.

    Gratuito: Inscripción aquí