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Categoría: arte

  • ENTREVISTA. Karina Gauna, el arte del encuadernado flexible

    Por. Nahomi Martínez

    Karina Gauna es una joven artista visual argentina formada en la Universidad Nacional de la Plata, fotógrafa con formación en letras que, cruzada por un interés en la encuadernación de su propio libro de fotografía de autor, comenzó a incursionar en el interesante mundo del encuadernado artesanal, esta búsqueda y necesidad de exploración trascendió el objetivo principal, para convertirse en productos de arte y obras de autor.

    Gauna logra innovar con propuestas de encuadernación flexible, que domina en un delicado nivel interpretativo técnico cruzado por el diseño editorial y el desarrollo de su obra, para desembocar su pasión por esta propuesta en su propio emprendimiento Ey Karacol! taller de formación contínua en el que comparte sus conocimientos técnicos con todos los interesados en esta línea de encuadernación artesanal de autor.

    Desde Expertos en Arte FD Magazine, conversamos con la artista sobre la encuadernación y el trabajo en papel, sobre sus procesos, su obra y su gran interés en abrir espacios de aprendizaje y perfeccionamiento en este trabajo artesanal.

    EeA: Al ver tus creaciones, hay dos cosas que saltan a la vista, la interesante exploración con el papel y la configuración de estructuras complejas, ¿Cómo nace este interés en abordar la encuadernación desde esta propuesta tan interesante y creativa?
    KG: Básicamente fue la curiosidad pero claro, hubo un camino recorrido hasta llegar hasta acá. Hace unos años comencé a tomar un curso de producción práctica acerca del Libro de Artista en la Universidad Nacional de las Artes y fue a partir de allí, donde comencé a investigar acerca de nuevas formas de crear libros originales para presentar mi obra gráfica. Antes ya había realizado cursos y talleres relacionados con la encuadernación tradicional, pero quería indagar un poco más acerca de cómo abordar la encuadernación de una manera más simple, creativa y útil para mis trabajos, poder incorporar otro tipo de técnicas y materiales sin un marco específico que me limitara a la hora de realizar un libro.

    La inquietud por investigar un poco más y salir de lo habitual de la encuadernación (tapas duras y el uso de adhesivos) fue lo que me llevó a descubrir diversos métodos de creación de estructuras creativas, de varios autores, nuevos formatos originales e interesantes de hacer. En los últimos años he profundizado la Encuadernación Flexible utilizando lo menos posible el uso de adhesivo, siendo el papel el material principal a la hora de diseñar formatos de libros.


    Las características funcionales que le da el uso de este material permiten, a partir del plegado y corte de papel, crear infinitas combinaciones de técnicas posibles.

    Esta amplia gama de posibilidades ideadas por diversos encuadernadores me llevó a apreciar el libro no sólo como un medio de presentación de mi propia obra sino la de poder experimentar el acto creativo en sí mismo.

    EeA: ¿Cómo es tu proceso creativo a la hora de diseñar tus trabajos?
    KG: Empleo una parte importante de mi tiempo en investigar y aprender una estructura a la cual quiero llegar.

    Realizo pruebas (muchas) con diversos tipos de papel, elaboro modelos para comprender el proceso de construcción de las estructuras. Muchas veces combinando técnicas y otras haciendo variaciones de ellas. Si bien, algunas parecen muy sencillas a simple vista, todas ellas tienen un proceso de elaboración en el cual la paciencia, el detalle y la precisión son fundamentales a la hora de llevarlas a cabo.

    La articulación del libro es muy importante en este tipo de estructura porque dependiendo del material gráfico o cualquier otro tipo de material que contenga el libro siempre representa nuevos desafíos, ya sea en la resistencia de su apertura, el corte o en la costura. Suele suceder que a veces mientras trabajo en una estructura ya estoy pensando en la próxima que voy a realizar y la variación técnica que voy a aplicarle, a veces sale y otras no, pero en eso radica lo interesante que puede llegar a ser todo este proceso. Por supuesto, algo muy importante también son las experiencias de ver otros trabajos, ir a exposiciones, ferias, charlas, el intercambio de conocimientos con otros encuadernadores. Todo esto y el permanente aprendizaje se conjugan a la hora de crear este tipo de estructuras.

    EeA: Tus creaciones pueden considerarse obras de arte en papel o diseño de autor, ¿Cómo consideras que debe ser el consumo/uso de este tipo de productos en relación a su practicidad, uso o colección?
    KG: Muchas de estas estructuras fueron creadas a partir de técnicas aplicadas a la conservación de libros. Por lo cual muchos de estos diseños permiten que las estructuras puedan ser reversibles y a su vez resistentes. Existen referentes destacados en este oficio como por ejemplo Carmencho Arregui, Hedi Kyle, Keith Smith, Cristina Balbiano D’Aramengo. Los cuales han compartido de manera generosa sus técnicas.

    Muchas de estas estructuras se pueden adaptar a libros de artistas, foto libros, catálogos de obra, fanzines, etc. Es importante decir que muchas de ellas son expuestas en exposiciones y premiadas. De hecho este año participo de la Muestra de Libro de Artista 6ta. Edición, en el Museo Fueguino de Arte, en la provincia de Tierra del Fuego. Pero también este tipo de formatos de libros funcionan como disparadores para la autoedición o piezas únicas de publicaciones para la difusión de trabajo de escritores, poetas, diseñadores, ilustradores, fotógrafos.

    EeA: En tu experiencia como tallerista en este tipo de encuadernación, ¿Qué es lo más valioso de compartir tus conocimientos? ¿Hay que tener experiencias previas para participar de estos espacios? ¿Qué se requiere para entrar en el mundo de la encuadernación flexible?
    KG: Lo más valioso para mi a la hora de brindar estos talleres es difundir este tipo de encuadernación, que los asistentes se lleven todo el conocimiento posible y luego lo apliquen a sus propias ideas, que realicen sus propios diseños y que le den toda la utilidad posible. Además, me ayuda a pensar mi trabajo, me impulsa a seguir profundizando el aprendizaje.

    Si bien comencé a interesarme por este tipo de estructuras flexibles para uso de mi propia obra. Me pareció muy interesante poder darlas a conocer a través de talleres de encuadernaciones creativas siendo el papel el protagonista principal

    No es necesario tener conocimientos previos para sumarse a estos talleres, ya que las técnicas se basan en el plegado-corte-costura de papel, los materiales y herramientas son muy simples de usar y están al alcance de todos ¡Lo único que se requiere son muchas ganas de experimentar y crear!

    EeA ¿Cuales son los planes de Ey Karacol cuadernos para el próximo año?
    Seguir perfeccionandome, incorporar nuevas estructuras, continuar brindando estos talleres creativos y seguramente publicar algo propio referido a la fotografía.

    www.instagram.com/eykaracolcuadernos/
    www.facebook.com/eykaracolcuadernos/

    Sobre la Artista
    Karina Gauna es egresada de la carrera de Diseño Gráfico Editorial en el Instituto Superior Nueva Escuela de Diseño y Comunicación (Bs.As.) y de la Carrera de Fotoperiodismo en la Asociación de Reporteros Gráficos de la República Argentina ARGRA (Bs.As).

    Realizó estudios de Terminación Artesanal y Editorial en la Fundación Gutenberg, Producción Práctica de Libro de Artista. Universidad Nacional de las Artes (UNA), Conservación y restauración de libros y documentos, en el Museo Histórico Sarmiento y Realización de libros para ser presentados en una muestra de Encuadernadores Artesanales de la República Argentina (EARA).

    Ha expuesto sus obras en la 6ta. Exposición de Libro de Artista, en el Museo Fueguino de Arte en la provincia de Tierra del Fuego, en la Exposición de Libros de Artista en la Universidad Nacional de las Artes (2015), en la XII Edición de la Feria de Libros de Fotos de Autor (2013 y 2014) y luego en la Feria Internacional de Libros Fotográficos de Autor, en la ciudad de Montevideo (Uruguay), en el marco de Fotograma 2013 organizado por el Centro de Fotografía de Montevideo (CDF).

    Se desempeña como encuadernadora en Ey Karacol! El cual es un proyecto de confección de cuadernos artesanales que surge en el 2015 y que busca recuperar el valor de lo artesanal a través de la encuadernación y el diseño. Ofreciendo el servicio de encuadernación, cajas, estuches, álbum de fotos, libros de artista y talleres al público en general.

  • ENTREVISTA. Andrea De Luigi: “Somos pasajeros de la vida, cada uno en un viaje individual e íntimo”

    Por: Simón Ignacio Martínez
    signacio.martinezm@gmail.com 

    Andrea De Luigi nació y vive en Buenos Aires, Argentina. Desde su infancia, la pintura, el dibujo, las exposiciones y los libros de arte fueron su ámbito natural. Se recibió en Psicología en la Universidad de Buenos Aires y, simultáneamente, se formó como artista plástica con los maestros Kenneth Kemble, Guillermo Roux, Héctor Giuffré y Atilio Laguzzi. Actualmente se encuentra representada por L’Attitude Gallery (Boston, EEUU) y The Shayne Gallery (Montreal, Canadá).

    Recibió el 1° Premio del Salón de Otoño Roberto Di Paolo, el 2° Premio del Salón Anual de Pintura Asociación Española de San Isidro y el 2° Premio del Salón Tarbut, Buenos Aires, Argentina. Obtuvo Mención del Jurado en el Salón Internacional de Artes Plásticas «La Mujer y su Protagonismo Cultural», Museo de Bellas Artes Bonaerense, y la 1° Mención en la 3ª Bienal de San Telmo, Buenos Aires, Argentina.

    De Luigi disfruta de la enseñanza en su taller donde imparte clases que buscan liberar la creatividad de los participantes y servir como terapia positiva. Considera que este espacio “es un lugar en donde las personas se vinculan por afinidad, por compartir algo que les da placer y alegría, y en donde se generan relaciones de amistad muy gratificantes, sanas y duraderas”. El taller crece constantemente e incluye teoría y práctica, además de seminarios, y ha servido como medio de proyección de proyectos personales de artistas que, en algunos casos, han participado con muestras en ferias nacionales e internacionales.

    Por otro lado, la artista ha contribuido activamente en proyectos solidarios. Arte Ayuda, Art@Hospital, Conin, Techo, Fundación Rossi y Pallets de Vida son algunas de las organizaciones con las que ha trabajado y lo sigue haciendo. “Siento que es muy gratificante poder contribuir con un granito de arena para que otro se sienta o esté un poco mejor”, afirma.

    En el marco de la inauguración de su obra Pasajeros, instantes de un viaje, ofreció una entrevista para Expertos en Arte FD Magazine.

    Las Bañistas (2018). Acrílico y tintas sobre tela. 200 x 120 cm. Esta obra forma parte de Pasajeros, instantes de un viaje



    EeA: Hablemos de su estilo. Pudieran encontrarse en sus obras influencias de las vanguardias históricas del arte, como lo fueron el cubismo, el surrealismo y el futurismo. ¿Su línea de trabajo se propuso indagar en ello o resultó de un hallazgo personal forma-color? 


    ADL: Mi obra fue evolucionando progresiva y naturalmente de la figuración a la semi-figuración. No fue algo que me propuse. El color también surgió natural y espontáneamente. Me interesan y atraen el cubismo y el futurismo, y veo en mis obras características de esos movimientos, como la geometrización y la fragmentación de la imagen, las múltiples perspectivas, la repetición o eco de las imágenes o partes de ellas, pero no fue buscado. Del mismo modo, en diferentes obras mías se pueden encontrar rasgos del sintetismo, del expresionismo y del simbolismo. Conozco esa pintura y sin duda existe en mi imaginario y lo enriquece, pero no lo influye directamente. Creo que mi pintura es expresión personal y auténtica de mi propio mundo interior y de mi personalidad.

    EeA: En su trabajo hay algo que recuerda el pasado posmoderno latinoamericano pero también se adelanta a un presente en movimiento. ¿Cómo definiría la estructura de sus lienzos en cuanto expresión y registro artísticos? 


    ADL: Si por posmodernismo entendemos esa búsqueda de formas de expresión más dinámica, la libre elección y combinación de estilos, el eclecticismo, el nomadismo, la deconstrucción y reinterpretación de estilos del pasado, dando como resultado una obra subjetiva y personal, me identifico con esa clasificación.

    Creo que, así como en el pasado los artistas se influían mutuamente entre contemporáneos, o con el arte de los museos porque era lo que alcanzaban a conocer, actualmente tenemos acceso inmediato a una inmensidad de información, de técnicas, de imágenes, que nos influyen y que nos enriquecen, e inevitablemente aparecen de alguna manera en nuestras obras. Me encanta la multiplicidad y diversidad de estímulos y herramientas que se nos presentan a los artistas en la actualidad. De todos modos, creo que el desafío sigue siendo el mismo desde siempre: dominar la técnica, y a partir de allí crear una obra original, auténtica y personal. Ahí está, a mi criterio, el verdadero valor de una obra de arte.

    En cuanto a la definición de mi obra, creo que mi pintura es semi-figurativa, posmoderna (por el eclecticismo mencionado antes) y con referencias al cubismo, futurismo y sintetismo.

    EeA: ¿Sobré qué forma, superficie, textura prefiere pintar y por qué?


    ADL: Trabajo en general con acrílicos y tintas sobre tela o madera. Me gustan las texturas visuales, para lo cual utilizo pinceles, rodillos, stencils y otros recursos.

    EaA: Los elementos ciudad-naturaleza están muy presentes en su trabajo, casi como si encontraran el equilibrio a través de líneas que dibujan nuevas realidades. ¿A dónde quiere llevar al espectador de su obra? 


    ADL: Todo lo que percibo en la naturaleza, ya sean paisajes, construcciones, figuras humanas, me inspiran constantemente. Es la combinación de formas y colores lo que me atrapa, más allá del tema, y me lleva a querer plasmarlos en una tela.

    A la distancia, me doy cuenta de que hay razones profundas para la elección de un motivo en determinadas circunstancias. Por ejemplo, la serie Paisajes urbanos coincide con el momento en que uno de mis hijos se fue a estudiar a Estados Unidos, y yo empecé a viajar frecuentemente a Nueva York y a Boston a visitarlo. Las grandes ciudades adquirieron un significado muy especial para mí. Simbólicamente, emocionalmente, estaban relacionadas con mi hijo, y pintarlas me conectaban con él.


    EeA: Sobre los colores que utiliza en sus obras… ¿De dónde surgió la paleta? 

    ADL: Me apasiona el color, me inspira, me conmueve. Mi paleta es personal, y es una constante desde el principio de mi producción. Creo que es manifestación de lo más profundo de mi personalidad. Necesito expresarme con colores intensos, saturados, con fuertes contrastes. No remiten a una experiencia particular, geográfica o personal, sino que son la manifestación de mi personalidad en el lienzo, soy yo en la tela.

    EeA: El sábado 29 de septiembre inaugura Pasajeros, instantes de un viaje en el Museo Lucy Mattos. ¿Qué se encontrará el público asistente allí? 


    ADL: Son obras de los últimos dos años. Siempre trabajé la figura humana, en forma paralela a otros temas, pero es la primera vez que protagoniza una muestra. Tuve la necesidad de expresar en imágenes algo que tengo muy presente: somos pasajeros de la vida, cada uno en un viaje individual e íntimo. Viajamos acompañados, pero solos a la vez. Es un viaje impredecible, fragmentado, lleno de color.

    El resultado de esta búsqueda son instantáneas, postales, retratos de personajes atravesados por ese sentimiento de unicidad y de soledad, aun en compañía. Espero que el espectador pueda percibirlo en mi obra y que, de alguna manera, nos conectemos a través de ella.

    EeA: ¿Cómo se siente de saber su obra expuesta próximamente en este espacio cultural?


    ADL: El Museo Lucy Mattos es un lugar muy especial para mostrar mi nueva serie. Por un lado es un lugar respetado y prestigioso, le agradezco mucho a Lucy Mattos su invitación. Desde el punto de vista estructural, es un lugar en donde la obra se puede lucir y apreciar bien, por la disposición y dimensión de los espacios y por la iluminación. Estoy muy entusiasmada con este proyecto.

    www.andreadeluigi.com
    andreadeluigi@gmail.com
    IG @andrea_de_luigi

  • ENTREVISTA. Toia Ibañez, la luz en lo antropológico del arte.

    Por. Nahomi Martínez

    PH: Sofía Rozenwurcel para ARSOmnibus

    En diciembre de 2016, abrió un espacio dedicado enteramente a difundir y potenciar el trabajo de artistas con discapacidad bajo la curaduría de Toia Ibañez, quien aún es una referencia de su antigua galería La Guanacazul, un lugar de intercambio artístico y creativo que nutrió durante muchos años el circuito de arte de San Telmo.

    Con una infancia marcada por el arte, Ibañez, ha compartido su pasión durante toda su vida con su familia y, además, ha tenido la oportunidad de crear y desarrollar proyectos curatoriales tanto en Buenos Aires, como en otras provincias argentinas. Desde Expertos en Arte FD Magazine, tuvimos el gusto de conversar con esta incesante buscadora sobre sus procesos y nuevos proyectos. 


    EeA: ¿Cómo y cuándo inicia este amor por el arte?


    TI: Cuando una familia se muda y lo que más cuida son los cuadros, las esculturas, los objetos y lo único que le importa es volver a verlos en su nueva casa, es una vivencia que deja una impronta imborrable en un chico. Así fue la mía y la actual, formada por mis hijas y nieta, quien desde que nació, vive rodeada de bastidores, papeles, acrílicos, libros, objetos, los que seguramente van a dejar su huella en ella.

    Por esta razón, insisto como curadora en un espacio, que los chicos deben ser nuestros más apreciados seguidores, que puedan creer en el arte como factor determinante en su formación y sensibilidad ya de adultos.

    Valeria Real (artista visual) y Toia Ibáñez


    EeA: Fuiste Directora y Curadora de una Galería muy conocida en San Telmo: La Guanacazul, ¿Qué fue lo más valioso de esa experiencia de acompañar la difusión de tantos artistas emergentes (y no tan emergentes) del circuito en ese momento?


    TI: La Guanacazul, más que una galería formal del circuito del arte de San Telmo, siento hoy, a algunos años de haberla cerrado por cuestiones personales, fue un lugar de experiencias, colores, sensaciones e imaginarios diversos.

    En nuestra filosofía hablamos de trama y urdimbre, de lo ancestral y contemporáneo. Y hablo en presente, ya que La Guanacazul está en periodo de hibernación. No ha muerto, su mirada antropológica del arte está más vigente que nunca.

    Casi cinco años en el proceso creativo, nos dejó en evolución, hacia adelante.

    Eduardo Quargnolo (artista visual) y Toia Ibáñez

    EeA: Actualmente sos la Curadora del Espacio ArtePar, que promueve la difusión del trabajo de artistas con discapacidad, ¿Cómo es el proceso curatorial de esta propuesta?


    TI: El programa de ArtePar, dentro de una fundación de 30 años de trayectoria trabajando en la inclusión, es una brisa cálida para mi alma de curadora.

    Más que nunca soy puente entre los artistas y el espectador, donde mi mayor desafío es lograr tirar abajo barreras que tienen que ver con el arte y la discapacidad en este mundo contemporáneo.


    Llegar al alma de un artista, aunque a veces no pueda expresarse en el lenguaje habitual, produce un compromiso más profesional.

    Es realmente cuando el lenguaje, que sólo se expresa a través de un proceso creativo interno, fluye en las condiciones más inesperadas. Es allí donde está puesto mi foco como curadora, de este espacio formal, dentro del circuito de Villa Crespo.

    EeA: El sábado 1 de septiembre inauguró en el Gallery de Palermo y Villa Crespo “Imaginario” de la artista Laura Waissman, contanos un poco ¿Qué nos encontraremos al visitar la muestra?


    TI: “Imaginario” de Laura Waissman, es una especial muestra para mi. Hace casi un año pienso en ella y en encontrarme con todo su riquísimo mundo de personajes y simbología que se aprecian en toda su producción. Es una hecho fascinante en sí mismo.

    La conexión y entendimiento entre artista y curador fue al minuto de entrar en su taller. Media luz, obra prolijamente catalogada por periodos, su tiempo calmo y observador, provocaron que la imaginación de Laura, como ella misma sugirió, se plasme hoy en “Imaginario”.

    Las figuras, su inestabilidad o necesidad de sostenerse, aunque sea sutilmente de algún objeto, todo resuelto desde el manejo del color propio y delicado. La tensión envuelve, casi como un juego, al espectador, que debe descubrir en varias lecturas.

    Sugerencia de curadora, recorrer dos veces la muestra.

    Un lujo para la Fundación Par.

    EeA: Hace poco tuvimos la oportunidad de compartir un especial encuentro en el que guiabas una mesa de reflexión que abordaba temas de arte y discapacidad, ¿Qué opinás sobre abrir discusiones que suelen estar relegadas o invisibilizadas?


    TI: Estas conversaciones que hemos abierto, para cuestionar, analizar, replantear, repensar y disrumpir, tienen un especial interés para mi, en la formación constante como curadora de arte y en la evolución sólida del trabajo que iniciamos hace casi dos años en ArtePar.

    Se podría decir que es un laboratorio experimental, compuesto por hacedores culturales, artistas, gestores, curadores, periodistas, profesores, antropólogos, filósofos, etc, que desde sus diferentes perfiles y miradas, conversan, se escuchan y concluyen para dar un basamento certero al análisis de lo experiencial dentro del mundo contemporáneo del arte.

    El desarrollo de estos encuentros de reflexión forman parte del trabajo curatorial del espacio.

    EeA: ¿Cómo alternas entre tus otras facetas como diseñadora de interiores y asesora en temas artísticos? 


    TI: No alterno. Estoy dedicada y concentrada en este programa en este tiempo. Sólo alterno, si así puede decirse, en la constante formación personal, desde diferentes miradas y expresiones. Reforzando mi propio perfil curatorial que pone la luz en lo antropológico del arte.

    EeA: ¿Qué es el arte para vos?


    TI: Que es el arte todo, porque es inherente al hombre y sus circunstancias.

    Laura Waissman (artista visual) – Imaginario con curaduría de Toia Ibáñez

    «Imaginario» de Laura Waissman puede disfrutarse de lunes a viernes de 10 a 15:30 hs en el Espacio ArtePar: Thames 808, Villa Crespo. CABA

    www.fundacionpar.org.ar/artepar
    IG: @parfundacion  | FB/FundacionPar


  • La Semana Art Basel Cities: Buenos Aires, una fiesta de arte para los vecinos

    Eternity, la obra colectiva de Maurizio Cattelan para Rayuela, la exhibición de arte contemporáneo en espacios públicos en la Semana Art Basel Cities: Buenos Aires, ya tiene a los artistas locales ganadores según diferentes categorías: Originalidad, Ejecución, Forma y composición.

    El Jurado, compuesto por Catalina León (artista plástica y escritora), András Szántó (Asesor de Estrategia Global de Art Basel Cities) y Juan Pablo Vacas (Director General de Patrimonio, Museos y Casco Histórico de la Ciudad de Buenos Aires), recorrió el cementerio temporal Eternity y seleccionó a los ganadores de las tres categorías.

    Categoría Forma y Composición – la lápida más hermosa en términos de composición formal entre texto y material:
    • 1er premio para Menhir efímero y mortuorio, del artista Andrés Paredes.

      ETERNITY – 1er puesto, categoría Forma y Composición, Andrés Paredes, Menhir efímero y mortuorio


    • 2do premio para ALA RIP de Gustavo Bemer.
      ETERNITY – 2do puesto, categoría Forma y Composición, Gustavo Bemer, ALA RIP 
    • 3er premio para Esponja, de Gisela Arevalos Bustamante.

    ETERNITY – 3er puesto, categoría Forma y Composición, Gisela Arevalos Bustamante, Esponja 


    Categoría Ejecución – la lápida ejectuada de la manera más sofisticada:

    • 1er premio para Rocket Man, de Azul Klix y Nicolas Borgerhoff.

      ETERNITY – 1er puesto, categoría Ejecución. Azul Klix y Nicolás Borgerhoff, Rocket Man 
    • 2do premio para Sin Esperanza Sin Temor, de Luna Paiva.

      ETERNITY – 2do puesto, categoría Ejecución, Luna Paiva, Sin Esperanza Sin Temor 
    • 3er premio para Tanto Frío, de Fabián Bercic.

    ETERNITY –  3er puesto, categoría Ejecución, Fabián Bercic, Tanto Frío 

    Categoría Originalidad – la lápida más original/ambiciosa:
    • 1er premio para la obra Sensación (tiempo muerto), de Elena Donato (en colaboración con Teresa Chiurazzi, Luz Crescini, Luis Díaz, Valentín Díaz, Camila Jalil, Daniela Schnayman y María Paz Millan).

      ETERNITY – 1er puesto, categoría Originalidad_ Elena Donato (en colaboración con Teresa Chiurazzi, Luz Crescini, Luis Díaz, Valentín Díaz, Camila Jalil, Daniela Schnayman y María Paz Millan). Sensación (tiempo muerto)
    • 2do premio para la obra @julifrutal de Julieta Nieves.
      ETERNITY – 2do puesto, categoría Originalidad, Julieta Nieves, @julifrutal
    • 3er premio para la obra Debora Dora de Chatarra, de Ivana Boullón.

    ETERNITY – 3er puesto, categoría Originalidad, Ivana Boullón, Debora Dora de Chatarra 



    En cada categoría, los premiados con el 1er puesto reciben la suma de $40.000 (pesos argentinos); los del 2do puesto, $20.000 (pesos argentinos) y los del 3er puesto, $10.000 (pesos argentinos).
    El Jurado expresó: «Estamos honrados de participar en este extraordinario ejercicio colaborativo y creativo en el que felizmente hemos llegado a una decisión unánime con respecto a los premiados«.
    Por otra parte, el sábado 8 a la noche se llevó a cabo la gran FIESTA LUNAR, en la explanada de la Biblioteca Nacional, intervenida con la obra “Alfabeto Lunar” de Leandro Katz. Música, proyecciones y baile en la imponente terraza de la Biblioteca. Casi mil personas de todas las edades se acercaron a la FIESTA LUNAR; bailaron y disfrutaron de una noche inolvidable.
    Qué es la Semana Art Basel Cities: Buenos Aires
    La Semana Art Basel Cities: Buenos Aires es un evento que se lleva a cabo del 6 al 12 de septiembre en cinco barrios de la Ciudad: La Boca, Costanera Sur, Puerto Madero, Recoleta y Palermo. Vecinos y visitantes pueden disfrutar de siete días de celebración artística en toda la Ciudad, con acceso a todas las actividades en forma libre y gratuita (algunas, con capacidad limitada). 
    Esta gran semana del arte propone más de 85 activaciones: eventos públicos de alto impacto, eventos de arte realizados por las 22 instituciones culturales asociadas locales, más de 12 Charlas y Clases Magistrales dictadas por artistas y líderes de opinión del mundo del arte, y más de 30 eventos de networking entre la escena artística local y una delegación internacional de más de 100 personas que visita Buenos Aires especialmente para el evento.
    La gran protagonista de la semana es la exhibición “Rayuela” (Hopscotch), curada por la directora artística Cecilia Alemani, quien seleccionó 18 artistas locales e internacionales que presentan grandes producciones en espacios de acceso público. El nombre “Rayuela” (Hopscotch) está inspirado en la novela experimental de Julio Cortázar en la que se propone una lectura lúdica sin un orden lineal. Así, según el orden que cada uno prefiera, se pueden recorrer los espacios con obras de arte contemporáneo de los artistas que participan: Eduardo Basualdo, Pia Camil, Maurizio Cattelan, Gabriel Chaile, Alex Da Corte, Santiago de Paoli, Narcisa Hirsch, David Horvitz, Leandro Katz, Barbara Kruger, Luciana Lamothe, Ad Minoliti, Eduardo Navarro, Alexandra Pirici, Mika Rottenberg, Mariela Scafati, Vivian Suter y Stan VanDerBeek.
    Art Basel Cities: Buenos Aires es una oportunidad excepcional para posicionar a la Ciudad de Buenos Aires como capital cultural en el mundo y, a la vez, ofrecer a vecinos y visitantes una programación de arte contemporáneo de la más alta calidad, que asimismo permite sumar espacios de convivencia en los distintos barrios de la Ciudad. Todas las actividades son gratuitas y de alto impacto, con el objeto de fomentar una gran participación y promover la visibilidad de espacios de encuentro, pensamiento y disfrute para todos los públicos a través del arte contemporáneo.
    Para mayor información y detalles de agenda de actividades, consultar: www.artbaselcitiesba.com
    RAYUELA (Hopscotch) – Horarios y lugares de exhibición:
    • Eduardo Basualdo – «Perspectiva de la ausencia» – en la Asociación Argentina de Pesca (Calle Viamonte y el Río de la Plata) – Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, de 12 a 20 hs.
    •  Pia Camil – «La remera de Gaby» – en Ex Cervecería Munich (av. de los Italianos 851, entre Marta Lynch y Manuela Sáenz, Costanera Sur) – Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre: Lunes a viernes, de 11 a 18 hs; sábados y domingos, de 10 a 20 hs.
    • Maurizio Cattelan – “Eternity” – en Plaza Sicilia (av. del Libertador, entre av. Sarmiento y República de la India) – Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, de 11 a 19 hs.
    • Gabriel Chaile – “Diego” (Retrato de Diego Núñez) – en Paseo costero de La Boca (av. Don Pedro de Mendoza entre av. Alte. Brown y Martín Rodríguez) – Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, de 10 a 18 hs.
    • Alex Da Corte – “La Rana René, incluso” – en Arenas Studios, Arena III (av. Don Pedro de Mendoza 965, entre Brandsen y Pinzón, La Boca) – Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, de 10 a 18 hs.
    • Santiago de Paoli – “Tiempo libre” – en Museo de la Cárcova (Av. España 1701, Costanera Sur) – Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, de 10 a 18 hs.
    • Narcisa Hirsch – Una selección de sus primeros films: “Marabunta”, “Manzanas”, Pink Freud”, “Patagonia”, “Mujeres”, “Testamento y vida interior” – en Museo de la Cárcova (Av. España 1701, Costanera Sur) – Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, de 10 a 18 hs (Proyección continua).
    • David Horvitz – “Señalamiento del cielo” (performances) – en:
    • Explanada de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno (Agüero 2502, Recoleta) – Viernes 7 de septiembre, de 17 a 19 hs.
    • Costanera de La Boca (Av. Pedro de Mendoza al 2200, Vuelta de Rocha, La Boca) – Domingo 9 de septiembre, de 16 a 18 hs.
    • Ex Cervecería Munich (Av. de los Italianos 851, entre Marta Lynch y Manuela Sáenz, Costanera Sur) – Miércoles 12 de septiembre, de 16 a 18 hs.
    • Leandro Katz – “Alfabeto lunar” – en Biblioteca Nacional Mariano Moreno (Agüero 2502, Recoleta) – Desde el jueves 6 y más allá del 12 de septiembre. Se recomienda visitar la obra para apreciarla con la luz del día
    • Barbara Kruger – “Sin título (No podés vivir sin nosotras)” – en los Silos de la Antigua Junta Nacional de Granos (Juana Manso 851, Puerto Madero) – Desde el jueves 6 y más allá del 12 de septiembre. Es un espacio al aire libre. Se puede visitar todo el día.
    • Luciana Lamothe – “Zona de inicio” – en Plaza República Oriental del Uruguay (Av. Figueroa Alcorta 2900, entre Austria y Tagle, Recoleta) – Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, de 10 a 20 hs.
    • Ad Minoliti – “Simposio sobre pintura expandida y ficción especulativa” – en Casa Victoria Ocampo (Rufino de Elizalde 2831, Palermo) – Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, de 12 a 20 hs.
    • Eduardo Navarro – “Polenphonia” (coreografía musical para 7 flautistas) – en Jardín Botánico (Av. Santa Fe 3951, Palermo) – Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, de 13 a 17 hs. Si llueve, el Jardín Botánico permanece cerrado.
    • Alexandra Pirici – “Agregado” (ambiente performático – coreografía con bailarines y actores) en:
    • Arenas Studios, Frank Studio (Av. Don Pedro de Mendoza 965, La Boca) – Del jueves 6 al domingo 10 de septiembre, de 13 a 17 hs.
    • Paseo de la Rambla (Av. D. Tristán Achával Rodríguez 1400 y Azucena Villaflor) Si llueve, la locación es en Arenas Studios – Martes 11 y miércoles 12, de 14 a 18 hs.
    • Mika Rottenberg – “Cosmic Generator (variante de Buenos Aires)” – en Cuartel de Bomberos Voluntarios de La Boca (Brandsen 567, La Boca) – Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, de 10 a 18 hs
    • Mariela Scafati – “Niebla” – en Museo de la Cárcova (Av. España 1701, Costanera Sur) – Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre, de 10 a 18 hs.
    • Vivian Suter – “Sin título” – en Ex Cervecería Munich (Av. de los Italianos 851, entre Marta Lynch y Manuela Sáenz, Costanera Sur) – Del jueves 6 al miércoles 12 de septiembre: Lunes a viernes de 11 a 18 hs; sábados y domingos de 10 a 20 hs
    • Stan VanDerBeek – “Sueños de Cine: El futuro cine de la mente” (instalación multimedia – proyección) – en Planetario Galileo Galilei (Av. Sarmiento y av. Belisario Roldán, Palermo) – 252 asientos, por orden de llegada, los días:
    • Jueves 6 de septiembre, proyecciones de 19 a 3 hs.
    • Viernes 7 de septiembre, proyecciones de 19 a 3 hs.
    • Sábado 8 de septiembre, proyecciones de 21 a 5 hs.

  • ENTREVISTA. Florencia Deleo «El poder de estar informado en el arte»

    Expertos en Arte FD Consulting & Magazine, bajo la dirección de la Lic. Florencia Deleo, es una consultora dedicada exclusivamente al fortalecimiento de la gestión de artistas visuales y la difusión del arte argentino y latinomaricano. Entre los servicios ofrecidos por casi cinco años, se encuentran la valuación y peritaje de obras de arte, asesoramiento y trabajo curatorial, así como la creación de la revista digital Expertos en Arte FD Magazine, que ahora cuenta con más de 25.000 lectores.
    En este marco, Deleo presenta en conjunto con la consultora Von Meck comunicación cultural, una serie de actividades y charlas enfocadas a acercar información valiosa para artistas emergentes y personas interesadas en temas de arte. El 23 de junio inicia este ciclo de charlas y workshops.
    EeA: ¿Por qué es importante generar estos espacios de formación? 
    FD: Los espacios de formación son importantes en todos los órdenes. Se trata más de ampliar conocimientos y abrir la mente a otras cosas. Cuanto más informados estemos, menos oportunidades tendrán otras personas de poner trabas en nuestro camino. Principalmente en este rubro que es tan hostil a veces.
    EeA: ¿En tu opinión, cuáles son los vacíos que quedan en la formación profesional de un artista? 
    FD: Un artista, recibido en Bellas Artes, o autodidacta tendría que lanzarse sabiendo cosas que no te explican ni transmiten en ninguna universidad. Los manejos de las galerías, como ingresar al mercado, las exposiciones, las subastas, entre muchas otras cosas. Es muy importante prepararse en esos aspectos. Y generalmente los cursos son excesivamente caros y para un artista, que a veces, a penas puede comprar sus materiales, es muy poco accesible. Y quedamos siempre en lo mismo. Sólo puede acceder a él aquel que puede pagarlo.
    EeA: ¿Qué buscan estas nuevas propuestas que estará brindando Expertos en Arte FD Consulting & Magazine a los artistas emergentes? 
    Con Ana Spinetto Directora de BADA
    FD: Justamente, lo que decía anteriormente: darles la posibilidad a quienes quieran de acercarse a contenido que quizás no puedan tener en otro lado. Como nuestros clientes y lectores saben, trabajamos constantemente con artistas emergentes ayudándolos con la difusión de su arte y la progresión de su obra en en este mercado tan complejo. Buscamos que los artistas encuentren un lugar donde «refugiarse» y encontrar esas respuestas y realidades que muy pocos les brindan. Dejarles verdades y derribar mitos. Queremos colaborar en su tránsito de artista emergente a profesional.
    EeA: ¿Qué recomendaciones darías a todas esas personas interesadas en el arte y su difusión? 
    FD: Les diría que busquen a profesionales de confianza y que entiendan de lo que hablan. Muchos artistas se asustan a veces de los presupuestos que les envían pero a la vez tienen que saber que tienen en ellos grandes responsabilidades. Al mismo tiempo, pueden encontrar consultoras y profesionales muy dispuestos a ayudar y que brindan ciertas facilidades. Algunos artistas no tienen tiempo para autogestionarse y deben recurrir a gestores culturales. Nosotros estaremos brindando , por ejemplo, un taller de Introducción a la Autogestión del Artista. Es una inversión a corto, mediano y largo plazo.
    Deleo entrevistando a Ciruelo en la Feria del Libro 2016
    Es importante que, como consultora y revista de arte y cultura, podamos interactuar también con nuestro público desde otros puntos. Es lo que queremos desde el inicio. Ser un puente, acercar el arte a la gente y a la gente al arte.
    Florencia Deleo:
    Licenciada en Peritaje y Valuación de Obras de Arte . Con estudios de
    posgrado en Museología, Marketing de Museo e Instituciones Culturales,
    Grafología Científica y Peritaje en Documentos Manuscritos. Curadora de
    Arte y Directora de Expertos en Arte FD Consulting & Magazine
    23 de junio a las 14 hs:  Workshop: Introducción a la Grafología
    23 de junio a las 17 hs: Charla: Introducción a la curaduría, exposiciones y museografía
    Formulario de inscripción: Haciendo clic acá
    + info: info@eeamgazine.com.ar | info@vonmeckcc.com.ar
    Buenos Aires, Argentina. 

  • MUESTRAS. Guillermo Roux en El Museo Nacional de Bellas Artes

    El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el martes 17 de abril, a las 19, la muestra “Diario Gráfico”, de Guillermo Roux, con curaduría de Cecilia Medina, que reúne 290 dibujos realizados con birome en sus cuadernos personales, entre agosto de 2015 y diciembre de 2017. La exposición, cuyo sentido se completa con la exhibición de otras 177 obras en la Casa Central de la Cultura Popular Villa 21-24 —dependiente del Ministerio de Cultura de la Nación—, da cuenta de su visión del mundo y de la vida luego de una prolongada internación.


    “Obra íntima, pensamiento secreto de quien debe vencer las horas largas reinventando la realidad, los cuadernos que conforman este ʻDiario Gráficoʼ adquieren en el Museo Nacional de Bellas Artes y en la Casa Central de la Cultura Popular Villa 21-24 el carácter de un llamado vitalista al disfrute y a la crítica. Y, al mismo tiempo, constituyen un homenaje a la persistencia de una labor artística que, desde hace décadas, no ceja en su capacidad de interpelación y en su búsqueda de nuevos lenguajes para dar forma a un universo tan potente y singular”, expresa Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes.

    Las obras, ordenadas cronológicamente, constituyen una narración visual que recrea el universo del artista al regresar del hospital a su casa de Martínez. Le siguen imágenes del inicio de su rehabilitación: la pileta, su kinesióloga y las personas con las que se vinculaba en esas primeras sesiones que le devolvieron movilidad e independencia. La mujer, las flores y la moda, temas siempre presentes en su obra, retoman protagonismo desde un nuevo escenario, y los autorretratos realizados de madrugada, en penumbras y al borde de su cama, integran un panorama que alberga la intimidad de su vida.

    “El arte, en su contenido de verdad, permite también cierta dosis de honestidad brutal”, señala Duprat. “Guillermo Roux no se privó de ella, e hizo del gesto del convaleciente, compelido a desplegar su imaginación solo con un cuaderno y una birome, la ocasión de recrear su mundo

    visual, mostrando su esqueleto, su pulsión más íntima y descarnada. Ciertamente, el padecimiento habilita al sarcasmo y la ironía; Roux los ejerce con sutileza en sus dibujos que, tramados con infinita paciencia, aluden a situaciones críticas del mundo contemporáneo”.

    “Guillermo Roux ha decidido crear un relato gráfico de su vida cotidiana. Un relato que será el medio para acercarse a un público que quizá por su juventud no lo conoce, al tiempo que lo reencontrará con aquellos que extrañaban sus trazos”, afirma Cecilia Medina en su texto curatorial.

    La muestra estará acompañada de un catálogo editado por el Museo Nacional de Bellas Artes, en el que se reproduce una selección de los 467 dibujos, extraídos de 12 cuadernos personales de Roux, que integran «Diario Gráfico» en las dos sedes donde tiene lugar la exposición.

    Además, el martes 24 de abril, a las 18, se presentará en el auditorio de Amigos del Bellas Artes el libro “Roux en sus propias palabras”, resultado de las conversaciones entre el artista y la periodista María Paula Zacharías a lo largo de los últimos cuatro años. Junto con Roux y la autora, estarán presentes Laura Malosetti Costa y Ana Ojeda.

    “Diario Gráfico” podrá visitarse en las salas 39 y 40 del Museo Nacional de Bellas Artes, del 17 de abril al 17 de junio, de martes a viernes, de 11 a 20, sábado y domingo, de 10 a 20, con entrada libre y gratuita. Habrá visitas guiadas los viernes a las 16.30. La muestra complementaria en la Casa Central de la Cultura Popular Villa 21-24, inaugura el 19 de abril, a las 12, y podrá visitarse hasta el 16 de junio, de martes a sábado, de 10 a 20.

    ____

    Guillermo Roux

    Nace en Buenos Aires, en 1929. Formado en la Escuela Nacional “Manuel Belgrano”, adquiere una sólida experiencia en pintura y dibujo. En Europa, donde vive entre los años 50 y 60, aprende observando la obra de los grandes maestros de la historia del arte. En Italia, tiene la oportunidad de conocer en detalle los trabajos de los pintores del Trecento y el Quattrocento. Este interés lo lleva a estudiar con el pintor Umberto Nonni, en Roma, quien lo introduce en las técnicas del fresco y del mosaico, fundamentales para el desarrollo posterior de su obra.

    En aquellos años, los viajes por distintas ciudades europeas se complementan con sus estancias en Nueva York, lo que le permite entrar en contacto con las tendencias de la época.

    De regreso a la Argentina, en 1960, se radica en Jujuy, donde alterna la docencia con la pintura. Luego, en 1966, se traslada a Nueva York, donde se dedica a la pintura y a la ilustración, que le permite conectarse con el mundo de la publicidad y ampliar su horizonte de técnicas artísticas.

    Regresa a Buenos Aires en 1967, pero son frecuentes sus estancias en París, Roma y Sicilia.

    Ha realizado exposiciones individuales en Buenos Aires, Munich, París, Londres y Nueva York. En 1998, el Museo Nacional de Bellas le dedica la exposición retrospectiva Guillermo Roux en el Museo Nacional de Bellas Artes.

    Ha sido galardonado con numerosos premios, entre los que se destaca el otorgado en la XIII Bienal de San Pablo de 1975. Es miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes.

  • ENTREVISTA. LUCIO VEGA «Punto de encuentro entre el arte, lo industrial y lo natural».

    Por. Nahomi Martínez
    Para esta especial Edición de Expertos en Arte FD Magazine,
    tenemos el gran placer de compartir una muy interesante entrevista con el
    artista visual Lucio Vega.  

    En su biografía se puede leer “El trabajo de Lucio Vega, plantea un universo donde el mundo industrial
    se encuentra unido a la materia natural, diluyendo el concepto clásico de los
    opuestos. En ese universo desaparece la idea de lo binario y los extremos se
    mezclan.”

    Una vez adentrados en su universo, entendés con claridad que
    la experimentación y la re concepción de los materiales, sus usos, el espacio
    que el artista les da en el proceso creativo, son el proyector de planteos e
    ideas infinitas. Entre la cerámica, el dibujo, la escultura, la fotografía y
    hasta el hielo, transcurre la vida de este creativo nato, que se conoce y
    reinventa con cada nueva propuesta.

    EeA: ¿Cómo inicia tu
    camino en el mundo del arte? 
    LV: Desde pequeño mis padres me inscribían en cursos de
    cerámica, pintura y dibujo. Su influencia fue decisiva. Recuerdo que nos
    llevaban con frecuencia (a mi hermano también) a los museos y galerías de la
    ciudad. Ya más grande, seguía dibujando y a los 22 comencé con cursos de
    escultura y dibujo de la figura humana. Luego me inscribí en la Universidad de
    Artes plásticas Armando Reverón y ahí cursé la disciplina de la
    escultura. 
    El camino en el mundo del arte tiene orígenes difusos. Es
    más como dice la pregunta «un camino» en el que voy recordando partes
    del sendero y el inicio se ve cada vez más disperso. A lo largo de este sendero
    que voy recorriendo, he aprendido que el
    arte no es un mundo al que se ingresa (o ingresé), sino que es al revés: es una
    forma de ver al mundo en donde formo parte del mismo. Una vez que tomé
    conciencia de eso y te sientes parte de eso no puedes diferenciar una cosa de
    la otra. 
    EeA: ¿Cómo fue tu
    primer acercamiento al mundo del arte visual?
    LV: Recuerdo que siempre tuve más facilidades para las cosas
    tridimensionales que para la pintura o el dibujo. Si bien dibujé mucho cuando
    era pequeño e hice otras actividades artísticas, cuando comencé a trabajar de
    forma escultórica, me sentí confiado, podía plasmar con mayor facilidad las
    cosas que imaginaba y como consecuencia, supe casi instantáneamente que había
    encontrado mi forma de expresión. 

    Comencé tomando cursos de modelado en arcilla, luego moldes
    y vaciado en diversos materiales. En la universidad comencé a experimentar con
    materiales como la resina, la pulpa de papel, madera, yeso, arcilla, hueso, y
    una vez hasta experimenté con nieve. También probé diferentes métodos creativos
    como sacando materia, es decir, tallando en madera, yeso o piedra y también
    probé lo opuesto, agregando materia, con arcilla, pulpa de elementos orgánicos,
    masilla, etc. 
    Más adelante llegué al ensamblaje, que es un método el cual
    me brindaba las dos posibilidades: sacar materia y agregar materia y además
    unir unos materiales con otros. Desde entonces, mis propuestas (tanto las
    escultóricas como el dibujo o la fotografía) se conforman de esa técnica para
    expresar mi concepto plástico. 
     
    EeA: ¿Cómo fue el
    proceso en el que comenzaste a incorporar distintas propuestas en tu producción
    artística?
    LV: El proceso se da de manera natural. Cada material o
    técnica requiere un determinado tiempo para darse a conocer. Depende también de
    lo que tenga a mano, de lo que quiera construir y de lo que quiera expresar.
    Pienso que lo más importante para que ese proceso ocurra de manera natural, es
    estar atento a mi entorno y al presente histórico que me ha tocado vivir. El
    espacio y tiempo me condicionan y al mismo tiempo me nutren. La obra artística
    es el resultado de la mezcla del momento histórico y del entorno en el que
    habité cuando realicé esa obra. 
    Si analizo mi producción artística podría separarla por
    períodos. Las obras que realicé en determinado momento reflejan no sólo el
    concepto de la obra, sino que además, ayudan a imaginar el lugar donde
    habitaba, o el espacio de trabajo que tenía a mi disposición, o los materiales
    que estaban en mi entorno. Estos «metadatos» contenidos en las obras
    quieren decir que siempre he estado condicionado por mi entorno y es en esa
    fluidez de circunstancias y momentos en la que he aprovechado para dejar que
    sean los materiales y las técnicas, las que se acerquen a mí para dejarse
    explorar.
    Otra forma de explicar este proceso es mediante la
    producción de series. Esto me ha servido para obligarme a no abandonar un
    camino desconocido, a no tirar la toalla apenas algo no resulta como lo
    esperaba. 
    Recuerdo uno de los primeros ejercicios que nos dieron en el taller
    de escultura: hacer 100 formas diferentes con el mismo material. Al principio
    pensé que es imposible no repetirme, que me iban a salir muchas formas muy
    parecidas, pero mientras iba trabajando, fui viendo una evolución que no
    imaginé al principio, y poco a poco fui aprendiendo del material, de sus
    limitaciones y de las mías propias y terminé dándome cuenta que el final no es
    la forma número 100, sino que justo ahí es cuando comenzaba a trabajar
    realmente, porque el material se hace mi aliado, lo conozco y sé cómo resaltar
    sus características propias, tengo confianza en que lo que imagino será muy
    parecido a la forma final que logré.

    Obra: Simbiosis 
    EeA: ¿Qué momento o
    experiencia considerás que fue determinante en tu vida como artista?
    LV: Hay muchas, cuando decidí entrar en la universidad de
    artes plásticas y dedicarme a eso. Cuando viajé a Canadá a esculpir en nieve.
    Mi primer curso de meditación Vipassana. Cuando el artista Cornelius Zitman me
    invitó a hacer una pasantía en su taller. Cuando regresé a vivir en Buenos
    Aires. 
    Otras experiencias que te marcan como artista son las
    convivencias artísticas, las exposiciones grupales y sobre todo las
    exposiciones individuales. En las primeras la interacción con otros artistas es
    muy nutritiva, se genera una complicidad instantánea y el nivel de comunicación
    es de pares. 
    En las exposiciones colectivas además de la interacción con
    los otros artistas, está la relación con el público de cualquier edad y ámbito.
    Es muy lindo cuando ves a alguien que nunca ha entrado en un museo se acerca y
    ve la pieza, ves que le llamó la atención y que le movió algo en la cabeza y
    luego viene y te pregunta cosas. 
    Pero definitivamente, las exposiciones individuales son las
    que me han marcado más profundamente. Ahí interactúas con artistas, público,
    montajistas, curadores y muchas personas más. Cada muestra individual ofrece
    desafíos diferentes, conoces a gente distinta y hay que trabajar en grupo para
    sacarla adelante. Son proyectos que a veces pueden ser largos, desde que se
    concreta la idea de una muestra, llevarla a cabo, hasta su conclusión, pueden
    pasar muchas cosas y cada una de ella deja aprendizajes distintos.   
    Obra: organomaquinas

    EeA: ¿De qué manera
    nace la conceptualización de tu obra?
    LV: La conceptualización se va dando sola mediante la
    depuración. En mi caso, ha sido un proceso largo donde mediante el trabajo he
    ido aclarando y descubriendo el concepto de mi obra. En el camino he
    experimentado con muchos elementos y cosas, y me he dado cuenta que hay algunas
    que se han repetido una y otra vez. En algunos casos han sido materiales, en
    otros, técnicas y es ahí donde hay que estar atento y hacerse preguntas. 
    Esas preguntas son muy importantes ya que, en su respuesta
    es donde se fundamenta todo el planteamiento o conceptualización de la obra. Es
    en la observación de ese proceso y de la obra como tal, donde me pregunto el porqué
    de los materiales que uso, por qué adopté al ensamblaje como técnica
    escultórica, por qué la producción artesanal y obras únicas, por qué las
    escalas que uso, así como muchas interrogantes más. 
    Cada respuesta va derribando o uniendo a lo que más adelante
    forma el concepto. 
    Recuerdo cuando usaba resina industrial y quería proponer
    ideas sobre la ecología y que al final no funcionaba porque la resina y su
    proceso escultórico es muy contaminante y anti ecológico, entonces ahí entré en
    una contradicción tan fuerte que la obra y su concepto perdieron todo su
    sustento y lo que quería decir se convertía en palabras vacías y nada tenía
    sentido. 
    Entonces entendí que la obra debe ser autónoma, que no
    tengo que estar explicando de qué consiste o que quiere decir, sino que ella se
    debe sustentar por sí misma, que su forma debe ser consecuente con su
    contenido. 

    Obra: organomaquinas

    EeA: ¿Qué elemento,
    figura o persona sentís que tiene o tuvo algún tipo de influencia en tu manera
    de percibir o construir tus conceptos artísticos?
    LV: Personas que han formado mi esencia artística han sido
    varias, profesores como Abilio Padrón, Javier Level, Antonieta Sosa, Guillermo
    Abdala, Carmen Rosa García, Maruja Herrera, Luis Lizardo estuvieron muy
    presentes en mi formación. Luego antecedentes personales como El Bosco,
    Tingueli, picasso, Alexander Calder, Arcimboldo, y tantos otros. También mi
    padres y amigos.
    Otras dos cosas que han definido mi concepción artística han
    sido la naturaleza y mi curiosidad por cómo funcionan las cosas. Recuerdo que
    de pequeño desarmaba cosas para descubrir su funcionamiento, muchas veces las
    armaba de nuevo y no funcionaban, otras veces funcionaban mal y así fui
    aprendiendo a usar herramientas y a entender cosas de mecánica y electricidad,
    hasta que más adelante arreglaba cosas que se habían dañado. Ya más grande, estudié
    física en la secundaria y luego en la universidad hice algunos años en la
    carrera de ingeniería industrial. 
    Por otro lado, la naturaleza siempre ha estado muy presente
    en mi vida. Viví muchos años en el trópico, rodeado de montañas y una
    exuberante y prolífica naturaleza. Siempre me llamó la atención esa plantita
    que sale de la grieta en el asfalto de una autopista. Iba con frecuencia a las
    montañas a hacer caminatas, a bañarme en los ríos fríos, a acampar, etc. He
    podido viajar a la selva en varias ocasiones y siempre me ha cautivado la
    sensación de que puedes ser engullido en cualquier momento, que la humedad te
    asfixia y los sonidos son ensordecedores, que en las noches eres más que
    diminuto y estás completamente indefenso. También he recorrido playas
    solitarias y he jugado muchas veces entre infinidad de troncos y ramas
    arrastrados por la corriente de un río en su desembocadura al mar.
    Esos elementos me han definido y han definido mi obra y
    me han enseñado que no hay nada más poderoso que la naturaleza y que si el ser
    humano quiere ser parte de esa naturaleza, tiene que adaptarse a ella.

    EeA: En el sentido
    más simbólico o más realista que puedas considerar en torno a esta pregunta:
    ¿Qué esperás del arte?
    LV: Para mí el arte es una herramienta personal que uso para
    conocerme. A través del arte puedo abstraerme, puedo meditar. Me ha pasado de
    entrar al taller en la mañana y salir a las cinco de la tarde sin haber comido
    porque estaba metido en el proceso creativo porque no me importaba nada más que
    eso. Uso al arte como forma de vida, Aplico el concepto de mi obra en mi día a
    día. Diría que el arte es como una religión que sirve de vínculo entre mi
    cuerpo y mente. 
    Con el pasar de los años me doy cuenta que el arte es algo
    cada vez más personal. Que las obras no las hago para un público determinado o
    para que se vendan, sino que, las hago como excusa para entrar en esos momentos
    tan íntimos conmigo mismo. 

    Recuerdo la experiencia de haber esculpido en nieve. Con
    otros dos amigos escultores esculpimos un bloque enorme de nieve. Estuvimos una
    semana trabajando unas 10 horas al día hasta terminarla. Luego, con el paso de
    los días y la llegada de la primavera, la escultura fue cambiando de forma
    hasta que se derritió y no quedó nada. Esa belleza de lo efímero es obra
    también. De hecho, ha sido la obra más ecológica que he realizado en mi
    vida. 

    Esa experiencia me sirvió para entender que el arte no es lo
    que queda, no es el objeto como tal, que posiblemente quede en una sala de un
    museo o en la casa de un coleccionista, sino que el arte es la herramienta de vida
    que me acompañará durante todo este recorrido que será mi existencia.
    EeA:  Contanos qué tenés preparado para el 2018
    LV: Para el 2018 voy a seguir indagando y profundizando la
    serie de esculturas «organo-máquinas en equilibrio», que es una serie
    de piezas realizadas con gres y metal. Voy a seguir explorando el equilibrio
    entre ambos materiales y a su vez llevar más al extremo la fragilidad de la
    cerámica.  
    Por otro lado, también quiero desarrollar unas esculturas en
    pulpa de papel reciclado y metal. Hace meses que tengo la idea y algunos
    bocetos y quisiera aprovechar el calor del verano para que el material seque
    rápido y pueda modelar con mayor facilidad. 

    Más de la obra de Lucio Vega:
    página web: www.luciovega.com

  • NOTA. Cuidalas lolas, el cuerpo como obra de arte.


    Cuidalaslolas es una campaña digital que nació desde Id4You, una exitosa agencia de comunicación digital y marketing online que se propuso el objetivo que cada vez sean más las mujeres que tomen conciencia acerca de la detección temprana en cáncer de mama.

    ​Alrededor de 6.000 mujeres fallecen en Argentina, cada año a causa del cáncer de mama.

    Las investigaciones han demostrado que ya no se trata de algo exclusivo en mujeres a partir de determinada cantidad de años, el riesgo puede darse en cualquier edad, de ahí la importancia de realizar los exámenes clínicos siempre. 1 de cada 8 mujeres puede padecerlo a lo largo de su vida y, de ser detectado a tiempo, es una enfermedad curable en el 98% de los casos.

    Cuida las lolas enfoca su campaña de prevención al concepto de pensar el cuerpo de la mujer como una obra de arte y, como tal, debemos cuidarlo.

    Utiliza la obra de arte como motor difusor del mensaje, participan de la campaña numerosos artistas, de modo totalmente voluntario.

    Esta iniciativa viraliza octubre a través de las redes para llegar al mayor numero de personas desde distintas disciplinas como la pintura, escultura o la ilustración visibilizan la figura femenina y su belleza única como expresión estética del amor, de su identidad por lo que lleva dentro.

    Cuidalaslolas ya integra a más de 7 millones de personas entre canales oficiales, medios de prensa y el apoyo de varias empresas y organizaciones que participan en octubre genuinamente en la difusión del mensaje de prevención vital.

    SOBRE LA MADRE DE TODOS


    La madre de todos es una obra participante de la campaña #cuidalaslolas, realizada por la artista plástica Gabriela Canteros, parte del staff de Expertos en Artes FD, la misma fue concebida con el objeto de homenajear a las mujeres de su familia, cuya vida está marcada por la lucha contra el cáncer de mamas.


    La historia comienza con Ramona Canteros abuela paterna de la artista, a quien se le detecto el cáncer de mamas a los 49 años, debido a la falta de difusión en ese momento (1984), cuando apenas se hablaba del tema de forma masiva, falleció al año siguiente con muy poca información y con un nulo tratamiento, dejando desolada a su familia.

    En el año 2009 se detecta el cáncer de mamas a Cecilia Canteros hermana mayor de la artista, Cecilia lucho con toda su voluntad y su magia, con su carácter personal, con su sencillez y emotividad, con el apoyo de su esposo y las oraciones de toda su familia, pero también con el acompañamiento médico, con la detección a tiempo de una realidad tan compleja.

    Cecilia Canteros venció el cáncer, y la madre de todos, representa a la madre de la artista junto a sus ocho hijos, en homenaje a todas las mujeres y a todos los que luchan contra el cáncer, a las que perdieron la batalla y las que continúan la lucha en todas sus formas, abrazando la vida.

    Más info de la campaña: http://www.cuidalaslolas.com.ar/ 

  • Expos y Actividades – Octubre 2017

    Casa Milà- LA PEDRERA

    Barcelona

    Bona afluència de públic en la primera jornada del Mercat de Tardor de Món Sant Benet

    Les parades de gastronomia i artesania i les activitats infantils, grans atractius del certamen que repetirà demà
    Centenars de persones han participat en les visites per descobrir el monestir i en el nou recorregut familiar de tardor.
    El mercat de Tots Sants de Món Sant Benet ha arrancat aquest dissabte amb una molt bona afluència de visitants. L’oferta de parades de gastronomia i artesania, les activitats infantils i les visites al monestir han estat els grans protagonistes d’un certamen que repetirà demà, de 10 del matí a 7 de la tarda.
    L’afluència de visitants ha estat constant al llarg de la jornada, malgrat que el punt més àlgid s’ha viscut a mitja tarda. Les prop de 40 parades de productes gastronòmics de proximitat i/o temporada, i artesans han estat un dels grans al·licients, alhora de la gran oferta d’activitats i espectacles per a la quitxalla.
    De la primera de les jornades destaca la seguida cercavila que s’ha dut a terme, aquesta tarda, pels diferents racons de la plaça a càrrec de la companyia Xarop de Canya. A través de la música i en forma de conte, han acostat el producte de temporada als més menuts. També, els tallers de cuina infantil, que es repetiran demà, han exhaurit les places.
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    BIENALSUR
    Invitación BIENALSUR - Moda Inclusiva - Ronaldo Fraga
    Invitación BIENALSUR - Moda Inclusiva - Ronaldo Fraga

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    MUSEO DE ESCULTURAS LUIS PERLOTTI

  • ENTREVISTA: ANDREA DE LUIGI. Un contraste envolvente.

    Por: Nahomi Martínez
    Un contraste envolvente y muy interesante, así es Andrea De Luigi, una artista visual argentina que antes de
    conocerla, impresiona con su imponente obra y luego de un primer encuentro,
    permite entender la profundidad de su trabajo que raya en lo meditativo.
    No es sólo el gran formato, es el
    manejo técnico que necesita ese gran formato. Un detalle perfecto,
    colores que toman vida y líneas que convergen y se encuentran en un punto en el
    que, todo parece una perfecta ilusión, interna y real.
    Pararse frente a su obra, es permitirse explorar algo que podría parecer obvio para la
    mente, pero que el ojo percibe con absoluta novedad, activando dosis completas
    y repetitivas de viajes momentáneos a mundos que probablemente no hemos tenido
    la suerte de imaginar y que te hacen agradecer a la artista por permitirte
    soñar a través de su mirada.
    Brillo, luz y ciudad, es lo que
    proyecta «Paisajes Urbanos». Nada parece experimento, todo en su obra
    se siente bien internalizado, entendido y amplio, muy amplio. 0% de duda, 100%
    de dominio. Ratificando, sin necesidad de mediar palabras, que tiene todo el control de lo que siente y
    lo que representa.

    La artista estará participando en BADA directo del artista, con su imponente
    serie: Paisajes Urbanos. Desde Expertos en Arte FD Magazine, tuvimos el placer
    de visitar su taller y conversar sobre su trabajo artístico.


    EEAM: ¿Cuál fue tu primer
    acercamiento con el arte?
    ADL: Nací en una familia en donde
    el arte era importante, básico. Mi mamá, artista plástica y crítica de arte, mi
    papá, médico cirujano, con gran interés y gusto por arte. Desde chica, yo
    pasaba horas dibujando y pintando. Crecí rodeada de libros de arte, de
    artistas, visitando galerías y museos
    Un nuevo comienzo – 120cm x 100cm 

    EEAM: ¿Cómo definirías tu
    relación con el color y su manejo e incorporación en tu obra?

    ADL: El color me emociona, me
    inspira, me conmueve.  Me gusta usar colores vibrantes, intensos y
    saturados. El color y la luz son fundamentales en mis pinturas, no sólo por lo
    que me provocan a mí, sino para lograr transmitir un determinado sentimiento o
    una determinada emoción en el espectador.
    La forma, los temas, pueden variar:
    ser un paisaje urbano, un bosque, un caballo, pero el color, mi color, es la
    constante a lo largo de mi obra.
    Amanecer – 120cm x 120cm
    EEAM: ¿Cómo es el desarrollo de
    tu proceso creativo y la conceptualización de tus series?

    ADL: Mi creatividad se nutre
    constantemente con imágenes de la vida cotidiana, de libros, de exposiciones,
    de internet. Guardo esas imágenes, algunas en mi memoria, otras en carpetas o
    archivos. Frente a la tela, estas imágenes disparan otras imágenes que van
    generando un cuadro, y cuadros, que a su vez van generando series. Generalmente
    parto de una imagen realista, y la voy geometrizando, fragmentando, y armando
    una nueva imagen, menos realista.
    Las experiencias vitales están en
    estrecha relación con el desarrollo de mis diferentes series, por ejemplo, la
    serie Colores de la Naturaleza, con sus cuadros Viaje Interior, En lo Profundo,
    etc, coincide con un momento de búsqueda interior y de cambio. La serie de
    Paisajes Urbanos, coincide con una etapa de viajes muy significativos que
    realicé en los últimos años.
    EEAM: ¿Qué elementos son
    indispensables para vos en el desarrollo de tu obra?
    ADL: Para poder desarrollar bien
    mi obra, necesito tranquilidad, concentración, aislamiento. Mi lugar ideal es
    mi taller, en donde tengo todos mis materiales, la luz apropiada y el clima
    propicio para liberar la creatividad.  Es importante también tener varias horas
    seguidas para pintar, un rato no es suficiente para meterse en la obra. Muchas
    veces son 8 o 10 horas seguidas de trabajo-placer, varios días seguidos Esa
    continuidad es la más productiva.
    EEAM: Hablanos un poco de la
    serie que estarás compartiendo en BADA la próxima semana.

    Crepúsculo – 100cm x 80cm
    ADL: Como comenté antes, esta
    serie surge a partir de unos viajes importantes para mí que realicé los últimos
    tres años a Nueva York, Boston y Montreal. Fueron viajes muy especiales para mí
    por dos razones fundamentales, una, mi hijo se fue a estudiar a Boston, de modo
    que mis viajes tenían una gran carga emotiva, y al mismo tiempo comencé muy
    gratificantes vínculos con galerías de esas ciudades de EEUU y Canadá. Sin
    proponérmelo conscientemente, el tema de mis cuadros se centró en esas ciudades,
    llenas de vida, de interés, de proyectos.
    En aparente quietud y silencio,
    mis ciudades están en realidad latiendo, creciendo, cambiando. Sobre las
    superficies controladas y pulidas, se van desarrollando rítmicos juegos de
    superposición de planos, de volúmenes y de texturas visuales. Las formas se
    simplifican y se geometrizan, rompen con una estructura existente, para crear
    una nueva.  Las imágenes son sólidas, pero delicadas. Las formas son
    materiales, pero también espirituales. Los colores, saturados e intensos.
    La idea subyacente en esta serie
    de paisajes urbanos es que, en una ciudad, en la vida, en el conocimiento, nada
    es definitivo, sino en constante movimiento, creación y recreación, abriéndose
    al futuro.
    EEAM: ¿Qué significa el arte en
    tu vida?

    ADL: El arte en mi vida es
    básico, es una necesidad. Es placer, es interés, es proyecto.  Es
    nutriente, es vertiente. Es desestabilizante, me altera, es estabilizante, me
    da paz, me da alegría. Es vital, es deseo y es pasión.


    Andrea De Luigi estará participando en BADA directo del artista, desde el 31 de
    agosto hasta el 03 de septiembre. El encuentro con la artista, actualmente
    representada por L’Attitude Gallery en Boston, EEUU y The Shayne Gallery en
    Montreal, Canadá, será en el stand 55 de la Linea A, del recorrido propuesto.


    Contacto
    www.andreadeluigi.com